Aniversario 20 años: 25 (+1) discos que salieron en el 1995

Año 1995. Tiempos en los que las teleseries Chilenas dijeron adiós a su clásico formato para dar paso a la época dorada de estas, con mucha más variedad y diversidad de personajes, tramas mucho mejor trabajadas y un alto presupuesto que hicieron de estas producciones todo un suceso por aquellos años. Así la música, tanto en Chile como en el mundo vivía momentos de mucha calidad. El Rock alternativo seguía expandiendo sus fronteras, a la vez que el Grunge entraba definitivamente en retirada, el Britpop se hacía con el mundo y aquí bandas como Los Tres se terminaban por consolidar, a la par con otras más nuevas que comenzaban a dotar de un espectro más bien variado a lo que conocíamos hasta ese momento como música Chilena. El Punk, el Metal, el Funk o el Hip Hop comenzaban a meterse en las radios masivas, mientras que MTV comenzaba a moldear la manera en que uno debía actuar y vestirse. Así nacía la segunda mitad de la década de los noventa, esa que nos llena de nostalgia, que nos trajo los animes que marcaron nuestras vidas.

25. Tricky – Maxinquaye

Las aventuras de Tricky, luego de su salida de Massive Attack, lo condujeron por caminos un tanto oscuros y experimentales que terminaría acabando con la salida de su primer larga duración. Maxinquaye reúne todas las características del Trip Hop habitual de Bristol, pero con una cierta inclinación por atmosferas mucho más susurrantes y tenebrosas, a la vez que las rítmicas percusiones se volvieron mucho más radicales y exóticas. Canciones como Overcome siguieron con el camino ya explorado en Massive Attack pero el gran impacto del disco tuvo que ver con temas como Aftermath o Ponderosa que en base a un estilo más único y personal del artista, lograron llamar la atención de gran parte de la crítica, y así sentar la carrera del propio Tricky.

24. Sonic Youth – Washing Machine

Washing Machine fue uno de los tantos aciertos que Sonic Youth nos entregó en su carrera. En medio de toda una parafernalia Alternativa, los de New York lograron desmarcarse de toda la fiebre con un disco crudo y poco comercial, lleno de los guiños más sabrosos de sus discos ochenteros. A la vez que la disonancia sónica se hacía presente en canciones como Saucer-Like o Junkie’s Promise, clásicos como Little Trouble Girl se hacían presente, incluso los aspectos más épicos se conjugaban en una epopeya como The Diamond Sea que más allá de su experimental duración, es considerada una de las favoritas de su fanaticada.

23. Rancid – And Out Come the Wolves

Puede que 1994 haya sido el año en que el punk se hizo con el mundo nuevamente, pero los aspectos más melódicos y radicales estaban por venir de la mano de esta dosis pura del mejor Punk Rock de la época. And Out Come the Wolves marcó un precedente importantísimo a la hora de hablar de súper ventas, pues no era cualquier disco en lo más alto de las listas, era una bocanada de pura rabia y rebeldía juvenil. Desde las calles con Roots Radicals, hasta el Ska de Time Bomb, pasando por Ruby Soho que se tomó las radios en aquellos años, todo un mérito para una banda llena de los elementos más comunes y peligrosos del Punk.

22. Mr. Bungle – Disco Volante

Luego de las locuras Funkmetaleras plasmadas en su disco debut homónimo de 1991, los Bungle se vieron en la necesidad imperante de explorar nuevos caminos a la hora de componer cuatro años después su tan esperado sucesor. Patton, Spruance y Dunn figuraron como los cabecillas absolutos de las revueltas heredadas de la escuela de John Zorn, asi junto a un inspirado Clinton McKinnon hicieron de canciones como Carry Strees in the Jam, Ma Meeshka Mow Skwoz o Desert Search for Techno Allah complejas canciones de una música experimental basada en la desconstrucción de estilos y la falta de arreglos convencionales. A la vez que Chemical Marriage retomaba de una manera oscura ese tono circense de su debut, Merry Go Bye Bye se encargaba de derribar los clichés al unir una simpática canción playera con un Death Metal certero y progresivo.

21. Fiskales Ad-Hok – Traga

El Segundo disco de la banda más emblemática del Punk Chileno, fue a la vez el más oscuro y experimental de todos. Un golpe duro a la comodidad que el estilo comenzaba a disfrutar con los nuevos aires post-dictadura, y es que los vientos de esperanza parecían todavía muy lejanos cuando nos encontramos con canciones llenas de rabia como Carlitos Jesús o Eugenia, que hacen gala de la decepción del día a día, a la vez que No estar aquí y Fuga nos introducían en la vida misma de una juventud desencantada con la vida y la falta de oportunidades. Fiskales se despachó su mejor disco, a la vez el más inabordable dentro de su propio catálogo. 

20. Alanis Morissette – Jagged Little Pill

La nueva promesa del rock radial por allá por el año 1995 se llamaba Alanis Morissette, una joven con cierta inclinación por la aventura y la expresión de su condición de estrella Pop atrapada en los problemas juveniles más comunes, que lanzó un disco tan inverso a lo que podríamos esperar con esta descripción y es que las canciones, honestas postales, llenas de una variedad de estilos la ayudaron a ser considerada una artista por derecho propio. Allí aparecen canciones como Head Over Feet, Ironic, Hand in My Pocket o You Learn que sonaron por todas partes, desde televisión hasta festivales.

19. Blur – The Great Escape

Parecía difícil poder lograr algo tan bueno como Parklife para una banda que estaba en la cima de su popularidad. Los ojos estaban puestos en estos cuatro chicos, de aspecto simpático y con una gran convicción por retratar la vida misma de Inglaterra (desde las luces hasta las sombras) y más allá de que The Great Escape no logró superar a su predecesor, fue todo un suceso de popularidad. Canciones como Country House o The Universal son himnos indiscutidos del BritPop, a la vez que temas como Fade Away o Charmless Man se transformaron en joyas vivientes del ambiente que se vivía en ese entonces.

18. Red Hot Chili Peppers – One Hot Minute

El panorama no parecía muy alentador para los Chili Peppers. Luego de la abrupta primera salida de su guitarrista John Frusciante, inmersos en un universo oscuro por las adicciones y los excesos, Flea, Anthony y Chad llamaron al ex Jane’s Addiction para que se les uniera y el resultado fue un One Hot Minute, cargado a los fantasmas que por ese entonces azotaban a la banda. Las canciones más oscuras y pesadas están aquí, como es el caso de Warped o Coffe Shop, pero la pasión sigue ahí, con Aeroplane por ejemplo, aunque quizás los aspectos más interesantes aparezcan en temas como My Friends o Tearjerker, o como componer con el corazón abierto. 

17. Los Tetas – Mama Funk

El primer larga duración de Los Tetas, Mama Funk, fue uno de los momentos más altos que tuvo la música Chilena por allá por los noventa, y es que nunca se había escuchado tan bien el Funk por estos lados. Desde canciones pegajosas como La Paradoja Segundo subterráneo, hasta momentos de alta locura en Gangster, lo de Los Tetas no era probar formulas pasadas, sino más bien sacar la esencia de estas y sumarle todo el potencial callejero como quedó plasmado en Generación perdida o la ultra conocida Corazón de Sandia. Un clásico de la música Chilena. 

16. Alice in Chains – Alice in Chains

Momentos oscuros eran los que venía atravesando la banda de Jerry Cantrell por allá por el año 1995 cuando Alice in Chains salnzó su tercer laga duración, el último junto al difunto Layne Staley. Las sombras se apoderaron de todas las canciones, desde la densa Grind hasta la mecánica deshumanización en Again, aunque los aires de Jar of Flies ayudaron bastante al grupo para poder materializar verdaderas composiciones redentoras como en Heavn Beside You o en Over Now. La banda no pudo continuar del todo debido al lamentable estado en el que se encontraba su vocalista, el cuál luego de un inquietante y hermoso Unplugged, dejaría este mundo 6 años más tarde. 

15. Los Tres – La Espada y la Pared

La primera prueba de fuego que tuvo la banda para demostrar que eran uno de los números musicales más interesantes e importantes  en Chile, fue La Espada y la Pared. Un disco lleno de los mejores y más reconocidos condimentos que la banda ha sacado a relucir en toda su historia, desde la clásica partida con Déjate Caer, pasando por las movidas La espada y la pared y Hojas de té, quizás los momentos más destacable se encuentren en canciones como Me partió el corazón y Te desheredo, las que trazarían el camino para que discos como Fome lograran existir.

bonus track. Mad Season – Above

Uno de los super grupos que dío el Grunge, fue también el ocaso de una escena musical que venía ya en descenso. Mad Season, formada por Layne Staley, Mike McCready, John Baker y Barrett Martin solo alanzo a editar un disco de estudio, el cual se título Above y que contenía de las mejores composiciones que la escena pudo entregar. Desde la crudeza de Lifeless Dead y I Don’t Know Anything que mostraban una faceta más cercana al Grunge, los mejores momentos fueron en los que Layne Staley sacaba a relucir su sensibilidad interpretativa en canciones como Wake Up o River of Deceit. 

14.  Fun People – Anesthesia

El debut de la banda de Hardcore Punk Argentina Fun People, estuvo cargado de una cierta vibra underground que les hizo ser tomados en cuenta con gran interés por todas las escenas latinoamericanas y es que la banda de Nekro no solo jugaba con los típicos contenidos de canciones con crítica social, política e ideológica, también mostraba una sensibilidad bastante alejada de los estereotipos más básicos de este tipo de grupos, sacando lo mejor del cancionero del primer Punk y The Smiths para llevar a cabo este Anesthesia. Canciones como Runaway, Distinto o Bad Influence son clásicos eternos ya del movimiento.

13. Garbage – Garbage

El debut de la banda de productores musicales, impulsados por Butch Vig tuvo un impacto considerable, en gran medida por los clásicos que impregnaron todas las radios y canales de televisión y también por dar a conocer al mundo a Shirley Manson. Una perfecta interpretación de canciones como Supervixen, Stupid Girl, Vow o las más displicentes odas juveniles con Only Happy When it Rains y Queer, hizo de la banda, y en especial de Shirley, una de las grandes superestrellas de la segunda mitad de los noventa.

12. Scott Walker – Tilt

Scott Walker dejó atrás sus periodos más clásicos de tragedia Griega de los 60 y sus andanzas más psicodélicas de finales de los 70 para dar paso a algo completamente experimental y atmosférico. Tilt fue el disco que musicalizó las pesadillas más profundas de un artista frustrado con el paso del tiempo y la falta de productividad. Canciones como Manhattan y Farmer in the City fueron los indicios más fuertes de que la locura, podía sumir la mente en un transe oscuro y espeso, tal cual lo hacía Tilt y Rosary, el punto álgido de estos conceptos que Scott volveía a trabajar en sus siguientes dos discos. Tilt es el inicio de esta trilogía (The Drift (2006) y Bish Bosch (2012)) que hasta el día de hoy, sigue sacando aplausos y los miedos más profundos de nuestras almas.

11. Deftones – Adrenaline

El primer disco de los Deftones, impulsado tanto por sus miembros como por su productor, se adecuo al camino que el Metal Alternativo llevaba recorrido ya por los años noventa, pero en especial se acercó a toda esa nueva escena que Korn había impulsado un año atrás y que más adelante terminaría llamándose Nu Metal. El disco mezclaba la furia con la calma, el control con el caos, los silencios con el ruido, elementos característicos ya en el sonido de la banda y que por esos años inspiró a músicos como Max Cavalera para llevar a cabo su propia revolución sonora. Adrenaline, el disco donde aparecen temas como Root, 7 Words, Bored o Birthmark, fue el primer paso para que los de Sacramente se hicieran con una notable base de fanáticos que hoy en día repletan todos sus shows.

10. The Gathering – Mandylion

El tercer disco de The Gathering, trajo consigo los mejores elementos de su época más clásica junto al debut de su cantante más reconocida, Anneke Van Giersbergen. Mandylion fue aplaudido de manera unánime por la comunidad del Metal y el Rock en general, en gran medida a la evolución que el grupo experimentó desde sus inicios más cercanos al Doom a lo que fueron las canciones del disco, una mezcla de un Metal más desarrollado y atmosférico, con gran carga emotiva tanto en las partes melódicas como en la voz de Anneke. Canciones como Leaves, Strange Machines o In Motion #1 son de las más coreadas hoy en día, mientras que Sand and Mercury y Fear the Sea marcaron el camino definitivo para lo que vendría después. Imaginación pura en estado de gracia.

09. Pánico – Pornostar

El primer disco de larga duración que lanzó Pánico al mundo, venía predicho por un modesto éxito en los cirulos más cercanos de música independiente que por esos años aun no explotaba en Chile; Pánico cambió un poco las cosas. Pornostar fue un disco aclamado bajo la estricta inseguridad de postular algo tan bizarro y poco ad-hok con lo que vivía Chile en aquellos años, o lo que se quería proyectar, y es que las canciones hablaban, bajo fundamentos puramente Punk y Alternativos, sobre espinillas, mujeres, bailes, y  mujeres de campo que quieren ser estrellas porno! De ahí en adelante, canciones como Miss Intoxic llega a la disco, Demasiada confusión, Playa, Rosita quiere ser una Pornostar y la favorita de muchos, Chicos y chicas Pánico desfilan como si tuviésemos una conversación directa y profunda con temas generacionales al más puro estilo de Pánico.

08. Elastica – Elastica

En medio de tantos hombres jugando a los 60 en plena época BritPop, apareció este debut que dejó a los más convencionales seguidores de la música Británica literalmente pegados en el techo. Rock puro, en estado absorbente y delirante, que trajo consigo canciones potentes como Line Up, Connection, Stutter o 2:1, entre muchas otras que no pararon de sonar por el mundo en ese ajetreado año 1995. La banda compuesta por Justine Frischmann, Donna Matthews, Justin Welch y Annie Holland pusieron nuevamente en boca de todos, las mejores canciones de Rock que en años no se hacían escuchar en el Reino Unido, dejándoles un lugar privilegiado en la música Británica de los noventa, aunque lamentablemente fue el único gran suspiro que la banda dejó, pues su segundo disco, que llegó 5 años más tarde no corrió con la misma suerte.

07.  Faith No More – King For A Day…Fool for a Lifetime

El quinto disco de estudio de la banda trajo sorpresas en la alineación; Trey Spruance se hacía cargo de las guitarras luego de la poco amable salida de Jim Martin. King For A Day llevó los elementos más característicos que dejó el caótico Angel Dust, y les dio una vuelta mucho más abierta y cercana a la fusión de estilos que Spruance y Patton importaban desde Mr. Bungle, además de que Gould y Puffy fueron plasmando las muchas visiones que salieron de estos dos, siendo los que quizás más se vieron involucrados en este trabajo. King For A Day tiene un elemento clave: La poca participación de Bottum fue una constante en este disco, lo que provocó que la guitarra supliera de muchas formas la falta de teclados y así se hace notar en los momentos más guitarreros del disco como en Get Out, Digging the Grave o The Art of Gentle Making Enemies, pero los momentos en los que Bottum participó fueron los más altos, así se hizo notar en Evidence, Take This Bottle o la mismísima King For A Day. Faith No More nuevamente desvió las expectativas que esperaban un álbum todavía más complejo después del híbrido y oscuro Angel Dust, pues todos apuntaban que con la salida de Jim Martin las guitarras pasarían a segundo, incluso tercer plano. Grueso error.

06. Pj Harvey – To Bring you my Love

La prueba de fuego llegó cuando los otros dos soportes de Polly Jean Harvey abandonaron a esta luego de Dry y Rid of Me. To Bring You My Love salió en el año 1995 como toda una propuesta de la cantante, al acercarse de manera descarnada a las raíces más profundas del Blues. Apoyada por una cantidad interesante de mentes poderosas, PJ logró lanzar su tercer disco, el que sería realmente su primer álbum solista, con grandes canciones de blues como Send His Love to me, C’mon Billy y To Bring You My Love que fueron altamente aplaudidas por la prensa especializada y los fans que en ningún momento se sintieron defraudados, pues los elementos distintivos de esa honestidad brutal de sus discos anteriores seguían ahí, incluso la densidad más rockera se hizo presente en cortes como Long Snake Moan y Meet Ze Monsta. El álbum recibió mayormente elogios, incluso los medios masivos aprovecharon para catapultar a la artista, en medio de sus teatrales giras y su hit Down By The Water que apareció tanto como single y video en las radios y los canales de música respectivamente. 

05.  Radiohead – The Bends

The Bends represento un gran éxito para Radiohead, tanto comercial como artístico pues la banda jugó todas sus cartas para poder sacarse el peso de encima de lo que había sido Creep, un súper éxito que eclipsó demasiado su álbum debut Pablo Honey. Las canciones en este disco muestran una clara intención por crear una obra sincera y llena de las vivencias que la banda atravesaba en esos momentos, lo que poco a poco comenzó a jugarles en contra el exceso de fama que discos como este generó en ellos, lo que los llevaría más adelante a mutar varias veces su sonido en pos de sus pretensiones y de sus deseos por alejarse del mainstream. Clásicos radiales como Fake Plastic Trees o High and Dry son a estas alturas himnos generacionales de aquellos lejanos años noventa, mientras que Black Star, Just o My Iron Lung siguieron explorando en las posibilidades que les dejó su disco anterior, de manera mucho más madura y original. The Bends suena a Post Britpop, uno parecido a lo que Travis siguió haciendo, pues este sería lo último que Radiohead lanzaría con ese sonido más amigable, desde OK Computer todo cambio.

04. Oasis - (What’s the Story) Morning Glory?

El Segundo disco de los de Manchester representó la cumbre más alta a la que podían llegar como banda. (What’s the Story) Morning Glory retrata todo lo que la banda significó en aquellos años y lo que hoy significa, un disco repleto de los mejores condimentos Ingleses a la hora de crear verdaderos himnos de la música, tal cual lo hicieron sus ídolos como The Beatles o The Stone Roses. El panorama musical cambio por completo cuando comenzaron a sonar temas como Wonderwall o Champagne Supernova que se comieron literalmente al mundo con su potencial radial, mientras que los más devotos vieron como Oasis logró la hegemonía del rock Británico con canciones como Roll With It, Some Might Say o la eterna Don’t Look Back in Anger que representó el mayor acierto a la hora de hablar de verdaderos clásicos, de esos que te llegan al corazón. Más allá de que Oasis nunca recuperara esa calidad compositiva de sus primeros dos discos, estos en especial este Morning Glory fácilmente yacen inamovibles en un lugar privilegiado de la historia de la música.

03. The Smashing Pumpkins – Mellon Collie and the Infinate Sadness

Luego de la revolución alternativa que significó Siamese Dream, Billy Corgan se las ingenio para plasmar todas sus inquietudes y búsquedas musicales en un disco extenso, lleno de pretensiones musicales que tardarían unos cuantos días en elevar hasta las nubes a la nueva figura del Rock alternativo que el mundo estaba esperando. Mellon Collie es un disco doble lleno de viajes, fantasías, baladas, juventud, rabia y excesos que lograron plasmar de la manera más eficaz los sentimientos que por esos tiempos vivían los jóvenes más cercanos a ese Hippismo Punk Indie que representaron los noventa. Canciones como Zero, Tonight Tonight y 1979 se transformaron en joyas absolutas, mientras que la furia más característica supuso avances como Bodies, Love o Here in No Why, pero quizás lo que más impresionó fueron esas canciones mágicas como  Thru The Eyes Of Ruby o Thirty-Three que dejaron de lado las cortesías más guitarreras y radiales para dar paso a los momentos más recordados del disco, uno que marcó a todo tipo de gente y que hasta el día de hoy se mantiene como una postal intacta de un momento necesario en nuestras vidas.

02. Björk – Post

Post supuso la cumbre misma de la música experimental electrónica que la artista Islandesa Björk comenzó a plasmar desde su disco Debut, y que en Post alcanzó los momentos más álgidos de locura, tristeza, misterio, alabanzas y meditaciones. El disco, lleno de matices, estilos, arreglos y orquestaciones atípicas representó un suceso por allá por esos locos años noventa, en donde la contracultura efectiva y rebuscada de Post calo hondo en la necesidad de reinvención que necesitaba el sobre explotado Rock Alternativo. Desde la inquieta Army of Me, pasando por la desconcertante rítmica de Hyper-Ballad, llegamos a los terrenos más apacibles en la icónica It’s Oh So Quiet que a estas alturas representa toda una postal, en parte al gran video dirigido por Spike Jonze. Los momentos más interesantes aparecen en esa trilogía compuesta por You've Been Flirting Again, Isobel y Possibly Maybe, que a pesar de representar la parte más complicada y sinfónica del disco, es también la más recordada de la artista, la que recorrería pasajes similares en sus dos posteriores discos. Post fue un cambio necesario a la hora de avanzar en la música, mientras el Grunge luchaba contra sus demonios y el Britpop se comenzaba a acomodar a lo que buscaba la prensa Inglesa, Björk se aventuró en sus deseos más profundos para congeniar ese quiebre contracultural que hasta el día de hoy conserva con toda naturalidad.

01. Pulp – Different Class

Si bien los dos nombres más grandes del Britpop, Blur y Oasis se alzaban como los dos grupos más populares del Reino Unido, Different Class de Pulp fue el que disco que terminó por definir por completo el espíritu que la mayoría de los jóvenes adictos a esta tendencia musical guardaba e sus corazones. Parece imposible no asociar la importancia de lo que fue el Britpop con este disco, algo así como la piedra angular de lo que ocurrió por aquellos años. Letras llenas de un existencialismo juvenil que se adecuaron a las pistas de baile más comunes de los que renegaban su forma de ser, por miedo a lo que la hostil nación Inglesa pudiera decir, Different Class le dio el vamos final para que explotara definitivamente esa revolución musical que volvió a poner a UK en el centro del mundo. Desde la advertencia de Mis-Shapes, pasando por dos de las canciones más generacionales de aquellos años, Common People y Disco 2000, el disco trae consigo desde tragedias melodramáticas en I Spy, nostalgia pura en Underwear, himnos de bar en Bar Italia, hasta musicales encubiertos en Live Bed Show. Si hablamos de Britpop, antes que todo está Different Class.