Años 1965. La cuna de grandes discos de música que
alcanzaron un impacto cultural estratosférico en un occidente que comenzaba de
a poco a gestar ideas de cambio en el mundo a través de las artes. La música
tomó un papel relevante en todo el asunto y fue así como nació una nueva
generación de músicos con ganas de seguir los pasos de bandas que uno o dos
años atrás habían puesto marcha a sus brillantes carreras. De la mano de The
Beatles quienes eran absolutos líderes del mundo y la invasión británica,
llegaron bandas como The Rolling Stones que mostraron una faceta mucho más
radical del asunto, pero tambén nombres como The Kinks y The Who alcanzaron
altas cuotas de popularidad debido al sonido ruidoso y fuerte que generaban con
sus canciones pero quizás lo más sorprendente del año fue la total renovación
de un Bob Dylan que acostumbraba a pasearse con su guitarra por cuanto festival
de música Folk existiese, pero que en este año vistió de negro para sacudir
junto a su banda de Blues las cabezas de la gente que no tardaron en
crucificarlo. 14 grandes discos que este 2015 cumplen 50 años!!
17. Nina Simone
– Pastel Blues
Sí I Put A Spell on You mostraba una faceta mucho más sentimental y radial, Pastel Blues cagaba con las vivencias más personales de Nina Simone a la hora de escoger y cantar canciones como Nobody Knows You When You're Down and Out o Trouble in Mind pero si estas funcionaban como las cicatrices de viejas heridas, Sinnerman nos adentraba al mismísimo corazón, génesis de todo tipo de memorias y desamores, ideas y miedos.
16. Los Saicos – Recopilación de Singles del año 1965
¿La primera banda Punk de la historia? Así parece ser, tanto en lo musical como en lo lírico. Desde Perú una serie de canciones rebeldes que obligaron a replantearse la historia de cómo nació el género. Puede que lo hayan tenido todo pero su momento no fue el adecuado para explotar lo que hoy se conoce como Punk, pero más allá de las anécdotas las canciones están ahí y Demolición ya parece ser un himno.
15. The Beach
Boys – Summer Days (And Summer Nights!!)
Se puede decir que este album fue el último de los chicos de la playa antes de alejarse un poco de su mirada radial del Surf Rock para centrarse en lo que, a estas alturas, es lo más aplaudido de la banda: Pet Sounds. Summer Days contiene canciones tan populares como Help Me, Rhonda o California Girls, lo que fue visto en su momento como algo trillado (así y todo alcanzó altos puestos en las listas) hoy es considerado una obra brillante que anunciaría el fin de un Brian Wilson más taquillero para introducirnos a un Brian Wilson mucho más obsesivo y analítico.
14. Roy Orbison – Orbisongs
La carrera de Roy Orbison llegó a su mejor momento cuando en el año 1965 apareció Orbisongs, el último disco junto a Monument Records y en el cual aparecía Oh Pretty Woman, su mayor éxito en toda su carrera. Si bien artísticamente, lo más destacado ocurrió dos años antes con su disco In Dreams, Orbisongs registró las últimas grandes canciones antes de su declive musical que no enmendaría hasta finales de los años 80, justo antes de su lamentable muerte.
13. John
Coltrane – A Love Supreme
John Coltrane fue el hombre que toda su vida ocupo el Jazz y el sonido del saxofón para ahondar en sus tragedias más personales con el único fin de expresarlas y hacerlas música; A Love Supreme fue el punto más alto de su carrera, y a la vez el disco que lo transformaría para siempre en uno de los referentes más importantes del Jazz, condición que solo logro aprovechar hasta el año 1967 cuando un cáncer acabó con su vida.
12. The Sonics-
Here Are the Sonics
De las grandes bandas de Garage Rock que la década de los 60 nos dejó. En medio de nombres revoltosos entre el mainstream como The Kinks y The Who, The Sonics se consagró como la banda más ruidosa y brutal, lo que en definitiva ayudaría a definir el popular sonido de Seattle que por esos años trajo nombres como Jimi Hendrix al mundo. Su primer disco también es el más conocido, con joyas del Garage como Boss Hoss o la entrañable Psycho que hasta el día de hoy es un recordatorio de cómo ser auténticos y honestos.
11. The Byrds –
Mr. Tambourine Man
The Byrds fueron conocidos en sus comienzos como la banda que hacía de las canciones de Bob Dylan un viaje alucinógeno entre los terrenos más prehistóricos del Dream Pop y una particular forma de ver la música más tradicional, que termino siendo bautizada como Folk Rock. Mr. Tambourine Man llegó como su primer trabajo y desde un comienzo acaparó todo tipo de miradas y alusiones a su manera única de hacer las cosas; al año siguiente ya existían más de 100 bandas haciendo algo similar.
10. The Yardbirds – Having a Rave Up
The Yardbirds hoy en día es conocida como la banda que tuvo de guitarrista a Eric Clapton antes de Cream y a Jeff Beck, que en un periodo corto de tiempo convivió con Jimmy Page cuando este era un respetable músico de sesión (tocó bajo cuando Beck tocaba guitarra) pero más allá de eso, la banda tiene méritos propios por discos como este que traía canciones como Train Kept A-Rollin’ Heart Full of Soul, o versiones de clásicos como Smokestack Lightning del gran Howlin’ Wolf. Las guitarras del disco son un punto importantísimo a la hora de entender la importancia del grupo y del disco, pues pequeños elementos de distorsión y técnicas sirvieron como referentes para estilos como el Hard Rock o el Heavy Metal, o el mismo Rock Psicodélico que llegaría años después. Este disco tiene la singularidad de traer canciones grabadas por Jeff Beck y Eric Clapton (no Jimmy Page) siendo el Lado A de Beck y el Lado B de Clapton. Algo piola.
09. Nina Simone
– I Put A Spell on you
Nina Simone fue la persona que le dio nueva vida y aires a la popular canción escrita nueve años antes por el extrovertido e irónico Screamin’ Jay Hawkings y que un sinfín de artistas ha versionado hasta la fecha pero no fue otra que Nina Simone la que transformó la canción en una desgarrada balada romántica. I Put A Spell on You trae consigo dolor y amor, una mezcla que en el universo de Nina solo puede significar la sangre misma de la música negra, variando entre baladas de piano y secciones de un Jazz mucho más cantado y rítmico, que con el tema homónimo del disco queda más que claro pero el álbum también abarcaba otras canciones que a estas alturas ya son clásicos absolutos de la música como sus versiones de Ne Me Quitte Pas del Belga Jacques Brel y Feeling Good, una típica canción Broadway que Nina Simone llevó a las masas y que ninguna versión posterior le ha hecho justicia la esta. Todo parecía ser maravilloso para la carrera de ella pero no conforme ese mismo año lanzaría otro disco fundamental de la música, Pastel Blues.
08. The Kinks –
The Kink Kontroversy
La carrera de los Kinks hoy en día goza de una estela única al hablar de bandas que innovaron e influenciaron todo el tiempo desde su propio camino en la década de los 60 pero la cosa para el año 1965 era muy distinta. A pesar de la creciente popularidad de la banda luego de haber lanzado un primer disco que incluía la famosa You Really Got Me, y algunos singles como All the Day and All of the Night o Tired of Waiting for you de sus segundo disco, llegó Kink Kontroversy, un álbum que mostraba una clara progresión respecto de sus anteriores trabajos que nuevamente trajo consigo temas destacados como I am Free, Ring Them Bells o la más conocida Till The End Of The Day que no hicieron otra cosa más que aumentar la calidad compositiva de Ray Davies pero que por esos días no pudo consagrar a la banda debido a la prohibición que ésta sufrió por parte de Estados Unidos, el gran mercado en aquel entonces para los grupos Británicas. Una lástima tomando en cuenta que el grupo años más tarde lanzaría verdaderas obras cumbres del Rock como lo fue Something Else By the Kinks en 1967 o el Village Green en el 1968.
07. Bob Dylan –
Bringing it All Back Home
El inicio de esa trilogía eléctrica compuesta por este disco, Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde que hasta la fecha es la más exitosa de la carrera de Dylan, fue en su momento una verdadera obra de sacrificios, cambios y redenciones. Más allá de las excelentes canciones que el disco traía como la popular y surrealista Mr. Tambourine Man, Love Minus Zero/No Limit o la oda a Elvis It's alright, Ma (I'm only bleeding), la atención y polémica se centró en tres cortes que causaron mucho revuelo. Subterranean Homesick Blues fue en su tiempo un Blues electrificado bastante extraño que hasta la fecha es considerado un precursor del Rap, mientras que Maggie’s Farm tomaba un viejo clásico y lo exponía de tal forma que generó enfrentamientos al ser tocada en el Newport Folk Festival entre músicos de Folk que se vieron insultados con este nuevo sonido y por último It's all over now, Baby Blue, un Folk oscuro y sangrante que que acabo definitivamente con la era Folk de canciones protestas del Joven Bob que salvaría al mundo. Baby Blue se vio representado en todas aquellas caras que observaban atónitas y tristes el momento histórico cuando Dylan interpretó esta canción luego de su revuelta Eléctrica.
06. The Who – The
Who Sings My Generation
Después del lanzamiento de My Generation, The Who lucho contra los crecientes ataques a la hora de clasificarlos unos simples músicos Mods que poco y nada tenían de origialidad, y aunque todo esto acabó cuando el grupo comenzó a ofrecer verdaderas demostraciones de salvajismo rockandrollero en sus presentaciones en vivo, destrozando muchas veces gran parte de sus instrumentos, y en mayor medida con el lanzamiento de Tommy, My Generation les quedó demasiado grande en su tiempo. Hoy está demostrado que la banda ha sido una de las más importantes del Rock, en gran medida a clásicos absolutos como My Generation o The Kids Are Alright que aparecían en él pero el álbum exploraba otras vertientes con temas como The Good’s Goone o el cover de Please Please Please de James Brown que les hizo merecedor de una gran popularidad en las radios más comunes y familiares.
05. The Beatles
– Help!
Help! Fue el Segundo álbum lanzado por la banda para una película popularizada por ellos mismos y si bien fue un tremendo éxito que trajo consigo canciones tan fundamentales como Help!, Yesterday o la querida You've got to hide your love away, fue lo último que los de Liverpool lanzaron con características más cercanas a un Pop juvenil o al denominado sonido Beat que poco a poco comenzaría a evaporarse cuando el grupo se adecuo a sus propios intereses y búsquedas musicales en sus siguientes discos. Hoy es considerado un tesoro junto a A Hard’s Days Night que sirve como guía absoluta para comprender el fenómeno que generaron en la primera parte de la década con la denominada Beatlemanía.
04. The Rolling
Stones – Out of Our Heads
Si bien los Rolling Stones eran una banda muy conocida por allá por el año 1965, el éxito les era medio esquivo desde una vereda más musical pues hasta ese entonces la gran mayoría de canciones eran solo versiones de viejos clásicos de la música negra, pero la banda doto de un nuevo espíritu sus composiciones originales y las que versionaban, mucho más picante y sexual, dejando con la boca abierta a un mundo que poco a poco comenzaba a abrirse a la libertad cultural y social que en esos años a través de las artes (mayormente la música) se conseguía. Out of Our Heads traia consigo canciones como The Last Time o Play With Fire que se escucharon por muchas radios del mundo pero más allá de todos los temas, la sola inclusión de su éxito más grande hasta la fecha (I Can’t Get no) Satisfaction (no incluida en la versión inglesa) los llevó a la cima de popularidad. Si la música vivía tiempos de grandes erupciones, Satisfaction fue la piedra más caliente que salió del volcán.
03. Otis
Redding – Otis Blue: Otis Redding Sings Soul
Otis Reeding para los menos entendidos, fue la persona que le otorgo un aspecto mucho más ambicioso y artístico a la música Soul, dejando de lado los meros singles para enmarcarse en aventuras mucho más grandes que terminaron por definir la música y el movimiento gracias a discos como este. Otis Blue fue un golpe duro y certero a la hora de juzgar la importancia de la música negra más pura (que en aquellos años todavía no se adaptaba a las clases sociales blancas en Estados Unidos) llegando a poner en un mismo sitio estilos diversos como el Rhythm & Blues, el Gospel o el Rock and Roll. Figuras como James Brown o Aretha Franklin no hubiesen alcanzado el éxito que tuvieron sin la presencia de Otis, pues su mirada renovadora a la hora de mantener absoluto control creativo le dieron al Soul un enfoque mucho más personal y desgarrador. Si bien el disco mostraba clásicos reversionados de manera original como Satisfaction de los Stones o Shake de Sam Cooke, el éxito de canciones como Ole Man Trouble o la popular Respect popularizada 2 años más tarde por la misma Aretha Franklin, generaron gran expectación el lo que pudiera llegar a hacer más adelante, lamentablemente fallecería dos años más tarde en un trágico accidente de avioneta. Sittin’ on the Dock of the Bay, su canción más conocida, fue lanzada de manera póstuma un mes más tarde.
02. The Beatles
– Rubber Soul
La asociación The Beatles/George Martin suele ser nombrada como de las más exitosas de la música pues fue el único capaz de hacer trabajar a la banda a un ritmo, más que agotador, funcional a la hora de crear obras magnas como lo fue Revolver o el Sgt. Pepper pero en 1965 la banda todavía era mirada como un mero torbellino de éxitos de amor juvenil que no tardaría en apagarse hasta que salió Rubber Soul, un trabajo mucho más maduro, ambicioso y experimental que dejó de lado el sonido Beatles característico para darle una vuelta mucho más interesante que port fin comenzó a darle el crédito que la abnda merecía a estas alturas. Llegó en un momento preciso, cuando el Rock comenzaba a moverse nuevamente a la rebeldía y la contracultura, Rubber Soul no hizo otra cosa más que representar la punta del iceberg de todo el movimiento musical que se cocinaba en esos momentos, dejando a la banda de Lennon/McCartney/Harriston/Starr como revolucionarios absolutos de la industria. Canciones como Norwegian Wood, If I Needed Someone o Nowhere Man mostraron una faceta nunca antes vista en los de Liverpool, mientras que Girl, Michelle o la memorable In My Life agudizaron su calidad compositiva universal, abarcando un público mucho mayor que en años anteriores. Rubber Soul sin ser el disco definitivo de la banda, fue el puntapié para entender lo que hoy en día representan en el mundo.
01. Bob Dylan – Highway 61 Revisited
El disco que revoluciono todo. Nada sería igual si no hubiese salido el Highway 61 Revisited de Bob Dylan. Ya venía anunciando una cierta inclinación por los sonidos blues y eléctricos en su anterior disco con canciones como Maggie’s Farm y Subterranean Homesick Blues, pero en este álbum fue mucho más allá y sin importar el incidente ocurrido en el Newport Folk Festival en Julio de ese año cuando salió a tocar con instrumentos eléctricos a gran volumen y que intentaron sabotear, Bob tomó nuevamente las riendas de su instinto para armar uno de los discos más memorables de la historia. Desde el tremendo corte que da inicio al disco Like a Rolling Stones o como sentar las bases de una canción moderna, pasando por canciones imprescindibles como Ballad of a Thin Man o la misma Highway 61 Revisited pero más allá de los sonidos blues electrificados y la manera en que la música se presentó, las letras sobresalieron por si solas, tornándose a momentos surrealistas y líricamente poderosas, dejando constancia de los primeros elementos a la hora de entender el nacimiento de discos como Revolver de The Beatles o el sonido sicodélico que años después marcaría un cambio abrupto en todo sentido. Mientras canciones como It Takes a Lot to Laugh it Takes a Train to Cry o Just Like Tom Thumb's Blues ahondaban mucho más en una especial narrativa sobre historias personales y a la vez universales, Desolation Raw fue el punto máximo de toda esta idea al estar compuesta por todo tipo de mundos literarios y de la cultura en general que interactuaban como si nada en un mundo lleno de variaciones y visiones sobre temas tan importantes como el amor, la ruptura, el miedo, la mentira, etc. Y es que después de esta épica canción de más de 10 minutos, nunca vimos con los mismos ojos a personajes como Robin Hood o Romeo, incluso a personas como Einstein o Bette Davis; todos eran parte de lo mismo, todos vivían en la misma calle de la desolación, incluso Bob que comenzó a vivir un extraño éxito vendiendo una gran cantidad de discos y agotando todo tipo de presentaciones, que en su gran mayoría eran vistas por un público que no tardaba en abuchearlo y gritarle cosas como Judas.
