El día en que... Marvin Gay asesinó a Marvin Gaye

Los clásicos nunca mueren. Esa parece ser la consigna que ha sostenido la música como el motor artístico principal desde hace ya varias décadas, siendo los músicos mucho más que simples comunicadores sonoros, siendo sus propios sentimientos parte fundamental de nuestro diario vivir y de lo que nos gusta escuchar como personas, pues parece inevitable no sentirse aludido con esas letras que hablan del amor y el dolor como algo que trasciende más allá del propio pesar del artista. Puede que el Rock haya iniciado de manera mucho más masiva la imagen de ídolos musicales pero sin duda alguna el Soul fue el estilo que catapultó a una categoría de culto a grandes referentes que salieron bajo sus estándares. Hoy recordamos a una de esas estrellas caídas, al gran Marvin Gaye que entre la paranoia y los excesos, perdió la vida en circunstancias que todavía nos parecen oscuras y desconcertantes.

Conocida era la tormentosa relación que Marvin Gaye llevaba con su padre desde la infancia, siendo los constantes abusos de esté último la gran herida que Marvin cargó toda su vida y que lo llevó a componer grandes canciones, y a la vez a sumergirse en una profunda depresión que amortiguaría con sus constantes excesos. Uno de los puntos claves está en que Marvin Gaye siempre buscó su propio camino, agregando una "e" a su apellido en honor a Sam Cooke pues su nombre original era Marvin Gay, el mismo que el de su padre. Ya habiendo pasado la cima de su carrera, los aires nuevamente comenzaban a soplar en su favor, siendo Sexual Heling la gran canción que lo traería de vuelta luego de fallidos matrimonios y condenas por pensión alimenticia, pero no todo en la vida de Marvin parecía traerle felicidad, pues a media que más fama lograba, más grande era su relación con las drogas. Encerrado en casa de sus padres por miedo a ser asesinado, este dedico sus últimos días a llevar una vida desordenada acompañada principalmente de cocaína y pornografía, cosa que no gustaba demasiado a su padre, con quién mantenían constantes discusiones y que terminarían por acabar con la vida de Marvin Gay hijo cuando su progenitor, alegando defensa personal, le dispararía reiteradas veces. Los hechos llevaron a indagar de manera mediática en lo sucedido, y aunque muchos teóricos afirman hoy en día que el padre lo mató por motivos más personales, la realidad en ese momento fue otra, siendo este absuelto por considerar que sus disparos se situaron en un contexto en el que este era la víctima de violencia por parte de su hijo. Más allá de lo turbio que pudo ser el asunto, lo cierto es que Marvin Gaye ocupa un lugar esencial en la cultura popular del siglo XX, siendo su música una obra que de seguro perdurará hasta el final de los días, inspirando y llevando por caminos salvadores a esta cuando sea necesario. 

El día en que... dos grandes promesas se esfumaron

Hay días brillantes, en los que el sol saca a relucir las luminosas vidas terrestres que suelen desenvolverse con total naturalidad sobre un mundo hostil; almas artísticas que dan todo de sí para generar la vida misma a través de sus disciplinas, ya sean plásticas, narrativas o musicales. Este es el caso de dos grandes músicos que partieron un 19 de marzo, de maneras distintas pero que dejaron un legado, que hasta estos días es imposible olvidar. Randy Rhoads y Andy Wood.

En plena gira de promoción del segundo disco solista de Ozzy Osbourne, Diary of a Madman, Ozzy y su banda, entre ellos Randy, venían en un autobús luego de un gran show dado el 18 de marzo en Knoxville, Tennessee. Luego de un break, el chofer del bus saca a pasear a Randy y una maquilladora en una vieja avioneta que lamentablemente se estrelló contra una casa, que resultó incendiada y que terminaría por sepultar los sueños del que podría haber sido uno de los guitarristas más importantes de la historia de la música. Lo más paradójico es que Randy le había estado aconsejando a Ozzy que se cuidara del alcohol y los excesos, o si no acabaría con su vida tempranamente. 8 años después, el por entonces vocalista de Mother Love Bone, Andy Wood, el cual se perfilaba como un tremendo frontman, gracias a su potente voz y al creciente interés por el Grunge, perdía la vida debido a una sobredosis de heroína. La perdida destrozó a sus compañeros de banda, en especial a su amigo Chris Cornell, el cual decidió lanzar un disco tributo en memoria de Andy, el cual se titularía Temple of the Dog. Andy se fue al igual que Randy un 19 de marzo, aunque este último pudo ver publicado alguno de los discos en los que participó, pues Andy Wood no alcanzó a estar para el álbum debut de la banda, que terminaría por convertirse en una de las más exitosas de los años 90, Pearl Jam. El día en que dos grandes promesas se esfumaron, pero que siguen ardiendo gracias al incontrolable fuego que significaron sus canciones y sus legados musicales.

El día en que…Slash quiso ser un Stone Roses

Antes de que el mundo fuera mundo, en que Inglaterra recuperara el trono musical, en que la Cool Britannia volviese a existir como tal, antes que los Oasis, los Blur y los Pulp, incluso que los Suede, estaban los Stone Roses. No suena muy descabellado pensar que la banda liderada por Ian Brown está entre las 10 más importantes del Reino Unido, pues su influencia sigue traspasando generaciones, desde sus tremendas presentaciones que hoy son objeto de culto y sobre todo por su primer disco, que contiene clásicos como I Wanna Be Adored, I Am the Resurrection, She Bangs the Drums, entre muchas más. Y sí, Slash quiso ser parte de todo esto.

Los caminos de ambos, Slash y los Stone Roses, estaban casi destinados a cruzarse, y es que más allá de la música, ambas partes vivían momentos muy complicados por allá por los años 1995 y 1996. Luego de su segundo disco Second Coming de 1994, las relaciones personales entre la banda se deterioraron a tal punto que Reni, baterista de Stone Roses renunciaría un año después, pero lo más terrible ocurrió cuando John Squire dejara su guitarra de lado para alejarse de la banda por disputas con la otra gran mente maestra, Ian Brown (se dice que la cocaína tuvo mucho que ver en esto). Por otro lado Slash venía tratando con los graves problemas que atravesaba su banda, Guns and Roses, en especial por la actitud complicada de Axl que más de alguna cana verde le sacó al chascón guitarrista. De este modo Slash, quién suponemos era un gran fanático de la banda de Manchester, le ofreció a esta suplir el puesto de John Squire en las guitarras. La respuesta no se hizo esperar por parte de Ian Brown que le dio un rotundo NO al guitarrista.

Quién sabe cual habrán sido las razones por la que Brown no quiso que Slash entrara, quizás no le gustaba la banda, quizás buscaba algo más cercano a Squire, quizás vió como una amenaza el ingreso de Slash en su imperio, sea como sea la banda no duró mucho más y se terminaría separando ese mismo año. Ian Brown inició una exitosa carrera solista, Mani se unió a Primal Scream, Squire formó The Seahorses con los que lanzó un disco y dedico tiempo a las artes y Reni formó una banda con la cual no tuvo mucho éxito, mientras que Slash terminaría por abandonar Guns and Roses cuando supo que Axl saboteo las cintas y puso a otro guitarrista a hacer los solos. Más allá de todo ¿Qué habría pasado si Slash hubiese sido un Stone Roses? Es mejor no imaginarse ciertas cosas. 

El día en que...Lou Reed lanzó Metal Music Machine

Lou Reed a estas alturas merece todos los créditos posibles que hagan justicia a su enorme aporte en lo musical y cultural durante el siglo XX y que hasta el día de hoy resuena en todo tipo de bandas y músicos, que vieron como su carrera como solista, al igual que The Velvet Underground, fueron de lo más importante y trascendental que le pudo pasar al Rock y a la música en general pero por allá por los años 70, Lou era todo un radical que podía llegar a entregarnos trabajos monumentales como simples ideas poco desarrolladas; Eran los años setenta, todo estaba permitido.

Mucho se dice sobre el lanzamiento y la razón por la cual Lou Reed lanzó su molesta obra violenta llamada Metal Music Machine; Algunos apuntan a que estaba harto de RCA, su casa discográfica por aquel entonces y que solo le bastaba un disco para finalizar su contrato con ellos, así que de esta manera, a modo de venganza realizó unas sesiones de pésima calidad que registró en su nuevo disco con el único fin de crear algo malo y molesto, aunque él nunca estuvo de acuerdo con esta afirmación, defendiendo el disco en muchas ocasiones, incluso llegando a decir que fue un trabajo serio que llevaba desarrollando hace 6 años (publicado en el año 1975)…en fin, la cosa es que Metal Music Machine no le gustó a nadie, llegando a ser una obra de culto por sus pocas copias emitidas.

La gente que compró el álbum lo devolvió aludiendo a la falta de calidad del trabajo, llegando a afirmar en muchas ocasiones que todo era una estafa y no un disco de música. La prensa lo destrozo, aunque se dice que fue una especie de cuna para futuros grupos Alemanes de un rock industrial más experimental, de todas formas hasta el mismo Lou dijo que conocía solo a una persona que había escuchado el disco y ese era él mismo. Hoy en día es considerado el peor disco de Rock jamás grabado, pero como es un disco de Lou Reed lo amamos igual. 

El día en que... el Punk vendió millones nuevamente

Esta semana en este nuevo-viejo espacio llamado “El día en que…” no necesariamente hablaremos de un solo hecho, sino de una tonelada de sucesos ocurridos durante un tiempo considerablemente corto y que dejaron su huella para alzarse como el eje principal de la nueva sangre del Punk, más californiano, más Pop, más feliz pero no por eso menos Punk. Año 1994, el día en que el punk vendió millones nuevamente.

Luego de que el Grunge y el Rock Alternativo se tomaran gran parte del planeta para bien o para mal, las repercusiones no se hicieron esperar y en todo tipo de géneros musicales se vio la enorme influencia de cambio que este nuevo-viejo movimiento consigo trajo, tanto en el Metal con bandas consolidadas jugando a ser alternativos y otras nuevas instaurando el sonido del mañana, como en otros estilos como la electrónica o el Rap y el Punk no fue la excepción, pues rápidamente un nuevo puñado generacional de grupos que habían crecido con The Ramones, todo el punk setentero y ochentero aparecieron con una ambición tan grande como la de sus mismos antepasados de los 70 y más allá de que el sonido y el concepto de estas bandas variara un poco, todas tuvieron un punto en común para hacerse con el mundo: su fanatismo por Bad Religion. Y es que estos hijos de la mala religión tomaron el sonido melódico y rápido de la banda y lo introdujeron en su propio estilo de vida para engendrar joyas que hasta el día de hoy más que envejecer, siguen rejuveneciendo.

De los más destacados discos que hace 20 años atrás se lanzaron en el mundo del Punk Rock más popero y Cool están clásicos instantáneos como el Dookie de Green Day con temas como Welcome to Paradise, She, When I Come Around o la conocida Basket Case, el Smash de The Offspring que incluía canciones como Self Esteem, Bad Habit, What Happened to you? O Come Out and Play o la consagración de unos turbulentos NOFX que ya dos años atrás habían mandado un aviso con el White Trash y que con el Punk in Drublic alcanzaron las cuotas más altas de inspiración. Otras bandas como Rancid o Lagwagon lanzaban sus tremendos Let’s Go y Trashed respectivamente, incluso los ya mencionados Bad Religion que seguían tan activos como en sus primeros días dejaron su último gran disco de la década llamado Stranger tan Fiction que pese a que le abrió muchas puertas a la banda, fue el detonante para que Mr. Brett Gurewitz la abandonara (regresaría en el año 2002), dedicándose de lleno a producir discos en su discográfica independiente llamada Epitaph Records  que curiosamente sería la misma encargada de la producción del Punk in Drublic de NOFX y el Let’s Go de Rancid, entre otros.

Ver video de Salvation de Rancid

El día en que...Johnny Rotten abandonó Sex Pistols

El día en que…un nuevo espacio en el blog dedicado a todos los hechos que han marcado la cultura tanto musical como gamer, cinematográfica como política, de manera desordenada e inoportuna, no necesariamente efemérides. En el día de hoy quiero recordar la importancia de asesinar un alter ego antes de que éste te consuma por completo a ti.

Corría el año 1978 y los Sex Pistols eran los monarcas absolutos del caótico rumbo musical instaurado con el punk, pues sus polémicas en la televisión, las radios, las revistas y en vivo cada día alimentaba más a un monstruo que a esas alturas se sostenía en base a la poca relación que entre sus miembros existía. Ya había pasado el God Save the Queen, Sid Vicious cada día se volvía más incontrolable y la tención producida por Malcolm McLaren, el manager de la banda poniendo a los demás miembros (Paul Cook y Steve Jones) en contra de Johnny Rotten eran pan de cada día. De esa manera llegaron a USA para dar una gira la cual se acabó abruptamente el 14 de enero de 1978.

En el Winterland Ballroom de San Francisco un Johnny Rotten asqueado y desilusionado con la banda y los problemas internos dejó en claro en el escenario que ya no le interesaba seguir más con la “farsa”. Primero advirtiendo que tocaría solo un tema porque era un vago, la banda da inicio a No Fun, clásico de The Stooges que ya en la mitad de la canción se transformó en un ir y venir de declaraciones de Rotten que de a poco comenzaba a dar un paso al costado de la que sería una de las bandas más importantes del momento. Finalmente termina la canción y Rotten se retira del escenario diciendo una frase para el oro, quizás la más real que pudo haber dicho alguna vez en su vida “¿Nunca se han sentido estafados? Buenas noches”. Y así de esa manera bien punk los Pistols decían adiós (Sid Vicious moriría un año más tarde) dejando a Johnny Rotten libre para poder continuar bajo un aire más real y personal en la gran banda de post-punk conocida como Public Image Ltd. Bajo su real nombre, John Lydon. 

Ver video del legendario momento