Fugazi... À la carte

Ian MacKaye es probablemente, una de las figuras más relevantes, a la hora de comprender el lugar que alcanzó el Punk y Hardcore desde los años 80 en adelante. Mucho más independiente, comprometido con causas de manera honesta y transversal, atentando musical y líricamente contra el enemigo, sin descuidar las propias vivencias que sacuden el aspecto más humano de uno mismo. El hombre es un mundo en sí, repleto de formas, algunas más duras que otras, pero que no hacen otra cosa más que abarcar la importancia de la música como mensaje, pero también como composición. Junto a Guy Picciotto (ex-Rites of Spring) dieron vida a Fugazi, banda que desempolvó los aspectos más limitantes del Punk, en pos de algo totalmente libre de maquetas. Esta es una pequeña selección del universo creado por Fugazi. Picciotto, Lally, Canty, MacKaye y Sears À la carte.

Cashout

Si hay algo que echamos de menos de Fugazi, es la enorme evolución que demostraban disco a disco. El último caso de quemar viejas tradiciones, con el fin de resurgir musicalmente, fue The Argument, álbum lanzado el año 2001 y que supone el último trabajo de la banda. De entre las tantas veces que crearon moldes musicales para el futuro, se encuentra Cashout, uno de los temas más conocidos e interesantes de su carrera. Por que no, quizás el más "radial" si esa chapa les queda. 

Arpeggiator

Más allá de los tantos mensajes que encontramos dentro de las composiciones de los de Washington, se encuentran impecables muestras musicales de como generar música de calidad. Nunca fueron Punks o Hardcore; Fugazi siempre situó su sonido dentro de algo más propio. Aquí yace End Hits, de esos discos con más de un torbellino a su haber. Arpeggiator es un instrumental totalmente recomendable. la semilla del Instrumental Soundtrack que apareció un año más tarde.

KYEO

Steady Diet of Nothing es un disco que resume perfectamente esa etapa de la banda, transcurrida entre 1990 y 1993, la cual tuvo 3 discos a su haber y más de una historia que contar. De entre el enorme catalogo de desinhibidas canciones que crearon el mito de lo que es Fugazi hoy en día, podemos encontrar temperamentales piezas como lo es KYEO. Esos años en que la última canción de un álbum de Fugazi, marcaba el camino para lo que vendría después.

Smallbox Champion

Precisamente hablamos de la continuación del Steady Diet of Nothing. In On the Kill Taker es una muestra magistral de la intensidad que podían alcanzar las presentaciones en directo de la banda, en un formato de estudio que resalta el caos y las primeras tomas, como si fueran el simple suspiro de un grupo totalmente compenetrado. Aquí encontramos de las mejores canciones de Fugazi, entre estas Smallbox Champion, la cual nos muestra toda la versatilidad que mostraba Picciotto a la hora de cantar.

Shut the Door

Si bien el 13 Songs se alza como el clásico indiscutible de Fugazi, Repeater lo sigue de cerca. Aquí eliminamos cada una de las notorias influencias de los proyectos anteriores de sus miembros, aun presentes en el compilado 13 Songs (Minor Threat, Rites of Spring, Embrace), dando lugar al sonido más "clásico" del grupo. Repeater significó todo un mundo de variaciones del típico Hardcore Punk, siendo Shut the Door solo la punta del iceberg.

Target

Hablemos de Red Medicine, un álbum que en conjunto, resalta la importancia de lo que significaba cada disco de Fugazi. Dejando de lado el aspecto más preparado de las canciones, en comparación con la espontaneidad de sus discos anteriores, este trabajo marca un impulso mucho más marcado por temas más experimentales y otros de corte "radial" como lo es Target. No es que encontremos hits mundiales, pero si una guía mucho más accesible para una persona que no conoce del todo a Fugazi.

Waiting Room

Waiting Room representa ese momento de un concierto, en el que todos se saben la canción y la saltan y cantan a todo pulmón. Es quizás, el himno más grande creado por MacKaye y compañía, o el más conocido. Una canción que definitivamente, se posiciona como un clásico indiscutido del grupo. 

Epic Problem

Continuando en donde nos dejó Fugazi con The Argument, nos ponemos a pensar en las posibilidades. ¿Qué más habrían hecho? Nos gusta pensar en lo bien que hubiera sonado la continuación de este trabajo; quizás se venía el álbum definitivo. Lo cierto es que, para fortuna de nosotros, existen temas como Epic Problem, que en sí mismo representan la enorme variedad de ritmos y riffs que ponía la banda de su parte.

Do You Like Me?

Otra vez Red Medicine. Otra vez Picciotto luciendo ese carisma indiscutible que poseía a la hora de cantar. Abriendo los fuegos, Do You Like Me? representa tal madurez, que es fácilmente la canción más atemporal dentro del extenso catálogo del grupo. Calzó bien para el año 1995, y 20 años más tarde, sigue sonando tan fresca y poderosa.

Give Me The Cure

Quizás la herencia más directa de lo que fue el sonido Emo de Emmbrace y Rites of Spring, dentro de la lista de canciones compuestas por MacKaye y Picciotto posterior a estos proyectos. Give Me the Cure es una de las primeras sacudidas creadas por Fugazi. De ritmo vertiginoso e introspectivo, a una explosión desmedida de potencia y distorsión. Los coros de MacKaye retumban cualquier habitación, al igual que la voz desgarrada de Picciotto, las catárticas lineas de bajo de Joe Lally y las rabietas en bateria por parte de Brendan Canty.

Bonus track: Place Position

No podía dejar esta canción afuera. Una de mis favoritas de Fugazi. Proveniente del End Hits aparece Place Position, una de las tantas variantes que nos muestra el álbum más ambicioso a mi parecer, sonoramente creado por el grupo.

Bonus Track 2: Turnover

No podía faltar otro tema del Repeater. Un trabajo que desde su aparición, no ha hecho más que aumentar su propia leyenda. Quizás sea la tesis más grande de Fugazi en su carrera, una manera de sentar las cosas tan única, como lo es la propia Turnover. 

Nick Cave... À la carte

Entre los herederos más apreciados de la vieja tradición de contar historias a través de la música, Nick Cave sobresale por su imponente capacidad de originar universos enteros con tan solo unos cuantos versos. Repleto de personajes apresados por la dramática manera de narrar histerias, desamores, tragedias bíblicas, reflexiones y revelaciones. sus canciones suelen indagar y canalizar en los aspectos más lúgubres del alma humana, a través de un Post-Punk que ha ido evolucionando en algo mucho más etéreo y complejo. Y es que el miembro de The Sons of Lee Marvin ha sabido indagar narrativa y musicalmente, de manera única, en un ideal que recoge aprendizajes, no solo de las corrientes más contemporáneas, sino que también de aquellas que fundieron su legado en las lejanías de aquellos tiempos turbulentos y confusos. Una tradición oral encarnada en un Australiano, que junto a sus Bad Seeds, se ha hecho con un lugar importante en la cultura moderna. Nick Cave À la carte. 10 grandes canciones de su carrera.

The Mercy  Seat

Para el año 1988, Nick Cave ya contaba con un culto cada vez mayor de devotos aficionados a su particular manera de ver las cosas. La crudeza mezclada con ciertos aires de distorsión y elegancia, habían posicionado a la banda como un número atractivo, pero de poca masividad, lo que comenzó a cambiar cuando lanzaron Tender Prey. Si bien el disco mostraba a una banda al borde de la locura, las cosas no parecieron terminar del todo mal. Nick Cave comentó en reiteradas ocasiones que el disco está mal producido e interpretado, lo que no impidió que se transformara en uno de sus grandes clásicos. The Mercy Seat es la prueba perfecta, siendo desde su estreno, la única canción que se ha interpretado en todos los conciertos.

Do You Love Me

Ya para mediados de los noventa, Nick Cave & The Bad Seeds gozaban de una popularidad estable que le había acercado a todo un movimiento de grupos alternativos. Si bien musicalmente, todo comenzó a expandirse, reclutando nuevos géneros a su propuesta, Let Love In trajo consigo aquel característico sonido que definiría la carrera de la banda. Do You Love Me, la cual abría el álbum, era la muestra perfecta entre el equilibrio de fuerzas que Nick Cave adquiriría a la hora de cantar sus canciones. Al borde del delirio, entre posibles explosiones de guitarras que no llegaban nunca y vertiginosos juegos de piano y violín, Let Love In se transformó en uno de los discos perfectos de su discografía.

Nature Boy

La buena racha que Nick Cave & The Bad Seeds trajo desde No More Shall We Apart y que pasó por Nocturama, tuvo su caída de la manera más fresca y pasional posible. Un álbum doble titulado Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus, el cual salió en el año 2004, trajo consigo muchos menos lamentos y reflexiones filosóficas/teológicas para dar paso a una de las obras más fáciles de escuchar, pero no menos interesantes. Repleto de baladas y movidas canciones, el disco trae uno de los hits radiales más certeros de su carrera. Nature Boy es de esos temas que pueden funcionar perfectamente fuera del nicho que habitualmente convoca el Australiano.

No Pussy Blues

Un año antes de esa reinvención musical de los Bad Seed llamada Dig, Lazarus, Gig!!! de 2008 Nick Cave y Warren Ellis llevaron a cabo un proyecto inspirado principalmente en sus años más salvajes como músicos. Grinderman de la mano de su debut epónimo, trajo consigo la furia y distorsión del periodo más oscuro y revoltoso de Cave junto a The Birthday Party. Un post-Punk con sangre en las cuerdas y una actitud Punk de Garage, fueron los elementos indicados para que canciones como No Pussy Blues dieran un nuevo impulso en su vida. Los nuevos años veinte. Los gritos no paran.

The Weeping Song

Criticado en su tiempo, The Good Son, sexto álbum de The Bad Seeds lanzado el año 1990, fue toda una apuesta radical por parte de Cave y sus secuaces. Aquí las oscuras piezas de Rock fueron cambiadas y transgredidas hasta las entrañas por algo totalmente melódico. Una obra repleta de canciones, que si bien mantenían la esencia principal del Australiano, mostraban ritmos y arreglos demasiado tranquilos y orquestales. Si Tender Prey fue la cumbre de la adicción de Nick, The Good Son concibió la rehabilitación perfecta. The Weeping Song demostró con el tiempo las posibilidades que podían alcanzar musicalmente.

Junkyard

La vida de The Birthday Party fue tan tumultuosa y complicada, como su extraña forma de consevir discos. Desde una vereda más cercana al Rock Gótico, Nick Cave junto a Mick Harvey y Rowland S. Howard, entregaron dosis tras dosis de una lúgubre monotonía impulsada por la actitud y los gritos más animales que pudimos escuchar por parte de Cave en toda su vida. Su tercer álbum Junkyard de 1983 fue por así decirlo, el trabajo definitivo para cerrar un ciclo que si bien fue corto, tuvo un impacto significativo en los circuitos independientes más radicales. Junkyard es la encarnación misma de los horrores en la tierra.

More News From Nowhere

Luego de ese ajetreado regreso a las raíces llamado Grinderman, Nick Cave & the Bad Seeds regresó al estudio con ideas frescas y la sola idea de romper cráneos al ritmo del Rock y el Blues. Algo simple que se vio reforzado por la experimentada camada de músicos maduros que tenía la banda para así dar vida en 2008 a Dig, Lazarus, Dig!!! Si bien el álbum es mucho menos crudo que lo hecho en Grinderman, Nick Cave trajo consigo la iluminación necesaria para componer épicas historias de bar. More News From Nowhere finaliza el disco, siendo la gran bendición final de un total de 11 canciones muy bien logradas.

Into My Arms

El momento más íntimo de la carrera de Nick Cave llega con The Boatman's Call. disco que fue estrenado el año 1997 y que alcanzó gran popularidad, tanto para los fans como para la crítica, incluso para aquellos más alejados del catálogo del Australiano. Into My Arms es una de las tantas tonadas que reflejan perdida, deseo, amor y dolor expresadas por un Cave completamente sincero y cercano. Si bien la oscuridad y el minimalismo son el elemento preciso para tocar las almas rotas, las letras marcan un precedente, siendo alusiones claras a sus relaciones pasadas como la de la cantante Inglesa  PJ Harvey y la Brasileña Viviane Carneiro.

Fifteen Feet of Pure White Snow

Luego de The Boatman's Call y una fuerte lucha contra el alcoholismo y la heroína, Nick Cave junto a The Bad Seeds trabajarían en uno de los álbumes más aclamados de su carrera. No More Sall We Apart traía existencialismo por montones, referencias culturales atemporales y narrativas que trataban aspectos filosóficos y espirituales de manera magistral. Aquí todos los mejores elementos musicales de Cave salen a la luz, repletando con tan solo 12 canciones, el espacio necesario para pasar a la posterioridad. Alejado de las tendencias, Fifteen Feet of Pure White Snow se matricula como uno de sus clásicos eternos. No sería el único de este disco.

Higgs Boson Blues

Si bien Push The Sky Away contaba con todo tipo de historias sacadas de internet y la modernidad urbana en linea, los aspectos musicales y narrativos parecieron alcanzar nuevos horizontes y alturas, remotamente parecidos a los expuestos 12 atrás en No More Shall We Apart. Fue el primer disco sin Mick Harvey y el regreso de Barry Adamson, lo que de alguna forma le dio más espacio a la dupla Cave-Ellis para explorar todo tipo de posibilidades y caminos sin fin. Higgs Bosson Blues es la síntesis perfecta de un álbum que puso nuevamente a Nick Cave & The Bad Seeds entre las bandas más innovadoras de la actualidad.

Bonus: Henry Lee (feat. PJ Harvey)

En 1996 Nick Cave se dio el lujo de concebir un disco de baladas que hablaran sobre reconocidos casos de asesinatos en la historia. Si bien la colaboración junto a Kylie Minogue alcanzó nuevas tierras en los charts para el Australiano, Henry Lee con PJ Harvey se posicionó como la favorita de sus fanáticos. Si bien la canción tiene méritos propios, la sola idea de que ambos artistas tuviesen una breve pero intensa relación, puso en boca de todos la canción. Un álbum que partió casi como un juego y que terminó como una de las cumbres en la carrera de ambos.

PJ Harvey... À la carte

Todavía recuerdo el primer encuentro musical que tuve con PJ Harvey. Fue por allá por el año 2008 o 2009 cuando me puse a buscar música de los años noventa que saliera un poco de lo habitual. De esa búsqueda poco selectiva me encontré con tres discos que marcarían mi vida de manera profunda, tanto por ser excelentes trabajos como por el impacto emocional que generaron en mi "yo" de aquel momento. Tool - Undertow, Moby - Play y PJ Harvey - Rid of Me. No fue fácil enfrentarme a tales monstruosidades, en especial al disco de Polly Jean, el cual era demasiado radical y existencialmente sexual, tanto lírica como musicalmente y que abarcaba de manera cruda y minimalista los espacios más íntimos de PJ como persona y ser humano. De a poco le fui agarrando el gusto y hoy en día es uno de mis álbumes favoritos. Recordando aquellos años y como ha influenciado la británica en mi percepción de la vida y la música, es que les traigo este nuevo À la carte. 10 canciones fundamentales en la carrera de PJ Harvey escogidas por mí.

Good Fortune

El paso obvio que di luego de haber escuchado Rid of Me, y mientras buscaba sus otros discos, fue buscar las canciones más conocidas de su catálogo. Mi impresión fue bastante acertada al notar que la mayoría de los temas más populares provenían de Stories From the City, Stories From the Sea. Hoy es el álbum que más me ha hecho compañía. Pinturas acabadas que logran canalizar el momento en el que se encontraba la artista. Mucho más segura de si misma, derrochando una madurez notable en lo que respectan sus canciones de corte más accesible, fue Good Fortune la primera que flechó mi corazón. Una bomba de energía al ritmo de Polly. El video con su bolsito es tan icónico como el disco.

Angelene

Is This Desire? siempre ha sido un disco que ha generado cierta división entre sus fanáticos. Demasiado oscuro y experimental, dejaba de lado las ganas de comerse al mundo que había mostrado en To Bring You My Love, para hacerse cargo de asuntos más personales. Como ha manifestado, con este álbum dejó de estar enojada y fue una persona mucho más consciente y madura. En lo particular es un tremendo trabajo, el cual es bastante difícil de escuchar. Aun así posee canciones que enganchan a la primera como es el caso de Angelene. Dolorosa y melancólica pero a la vez reconfortante.

Victory

Debo admitir que el primer disco de PJ Harvey fue uno de los últimos que terminé por desgranar íntegramente, quizás porque posee cierto parecido con Rid of Me, con el cual me había familiarizado al principio. No es fácil escuchar su segundo disco, así que traté de evitar lo más posible el Dry hasta que logré dar con el momento adecuado para escucharlo. Al final todo resultó bien y pude constatar el carácter generacional que significó en su tiempo, siendo en parte el renacer de un Rock popularizado por Patti Smith en los setenta y que se había perdido con el tiempo, Directo y crudo, significó una victoria tanto para mi como para la música, así que lo más acertado es poner Victory. 

The Devil

El paso de Uh Huh Her a White Chalk remeció demasiado la concepción que tenía la gente sobre la música de PJ Harvey. Dejando de lado las cóleras y reflexiones más rockeras, mudo su piel como nunca lo había hecho antes y centró sus prioridades en cierto existencialismo barroco, el cual se llevó a cabo bajo sonidos claustrofobicos de pianos y harpas. Canciones un tanto tétricas, demasiado agudas y silenciosas, expuestas bajo un concepto que Polly Jean desarrolló con el único fin de confrontarse a si misma. Como buen inicio The Devil plasma de manera íntegra lo que es White Chalk.

You Said Something

Una de mis joyas favoritas dentro del catálogo de la Británica, yace inmersa en su Stories From the City, Stories From the Sea. You Said Something es una narración sincera y sentida de lo que es la melancolía Neoyorquina. Una ciudad retratada de manera cálida y humana, la cual ha sido testigo de todo tipo de historias con finales dispares, siendo estas la esencia misma de su riqueza. You Said Something es sin duda una de las mejores canciones del disco, si es que no es la mejor. Estoy entre ésta y We Float; simple opinión.

Missed

PJ Harvey trasciende de su estirpe humana y pasa a ser uno de los tantos fantasmas que la aquejan en Rid of Me. El rugido sufrido y descarnado de la mayoría de canciones que componen este disco, poseen una visión ácida e irónica sobre las diversas filosofías existencialistas que aquí se plasman, parasitando minimalistas reflexiones sexuales sobre la lucha entre lo animal y lo humano. Aunque la mayoría de las canciones reflejan estas características, Missed trasciende más allá, siendo un pequeño oasis personal dentro de un ruinosa y ardiente tierra de lava.

To Bring You My Love

Todavía me sigue fascinando esa progresión blusera que nos ofrece PJ Harvey en el primer track de su tercer disco. To Bring You My Love es el álbum más universal que ha lanzado en su carrera, Sus letras son oscuras historias de carácter folklorico, las cuales se van mezclando entre fusiones musicales con las diversas personalidades que va adquiriendo la británica en ese fílmico y tormentoso camino. A pesar de que la época MTV le favoreció mucho en su rotación por aquellos años, siendo quizás su disco más reconocible de los noventa, se ha sabido mantener como un referente más allá de las tendencias, llegando a ser casi de culto entre los círculos alternativos. To Bring You My Love es una joya.

In the Dark Places

El último álbum que ha lanzado en su carrera, es también el más ambicioso y de mejor calidad. La tremenda producción a cargo de los de siempre (Flood, Parish, Mick Harvey) no hizo más que resaltar las universales heridas de guerra que Let England Shake toca con tanto sentimentalismo y poder. Si White Chalk representaba la intimidad misma, éste álbum nos ofrece una proyección de caracter mundial, pues la perdida es algo que ha manchado las tierras de sangre a la mayoría de los pueblos del mundo. In the Dark Places representa el punto más alto de sufrimiento.

Shame

Con el tiempo, al igual que muchos, he sabido valorizar el gran dinamismo que representa Uh Huh Her. Quizás sea el álbum que mejor refleja los gustos propios de la artista, siendo una especie de collage sin orden aparente. Un simple álbum de Rock sin mayores ambiciones, en el cual las composiciones son el único protagonista. Ruidoso y silencioso, fiel a la esencia de garage que heredo de su trabajo en las Desert Sessions de Josh Homme. Shame es tan enigmática como adictiva. Con el tiempo me ha ido cada vez fascinando más.

Rid of Me

La crudeza radical de lo elemental carece de buenas obras actualmente. Es ahí en donde Rid of Me sigue generando tanto ruido en el mundo del Rock, siendo tan chocante como lo fue en sus años. Sin perder la fuerza de su contenido, el haber reducido a la mínima expresión una canción como Rid of Me puede parecer demasiado pretencioso, pero esa es precisamente su gracia. Por ahí dicen que el silencio es el grito más fuerte y ruidoso, lo que nos da a entender que la energía potencial acumulada en la expresión misma de cantar sobre algo, suele tener resultados mucho más efectivos y explosivos. 

Bonus track: We Float

We Float debe ser una de las canciones que más he escuchado de PJ Harvey en mi vida! Es demasiado hermosa como para dejarla ahí, sin escuchar.

Beck... À la carte

Hoy es un día muy especial para uno de los artistas más aclamados del último tiempo. Desde su particular y atípica forma de ver y concebir la música, pasando por los grandes aciertos sonoros que han generado incontables tendencias durante su carrera, Beck Hansen es sin duda uno de esos músicos que no saltaron a la historia precisamente por un producto que les guste a todos. Los más puristas se pudieron haber molestado tanto cuando salió Odelay, con todas esas mezclas descaradas entre Electrónica, Country, Rap o Punk pero la calidad de sus canciones supieron enfrentarse y moldear los tiempos en los que fueron presentadas. De esta manera fue escalando tan rápido que ya en plenos años noventa, con tan solo unos trabajos editados, era lo más fresco que nos había entregado la música alternativa desde... ¿Beastie Boys? Beck Hansen, músico Californiano que supo tomarle el pulso a una generación perdedora y darle reinvención a las cada vez más escasas propuestas musicales nos trae este nuevo listado À la carte. 10 canciones que me encantan de Beck.

Devil's Haircut

Una de las canciones más emblemáticas del músico, fue mi despertador por allá por el 2010. Todavía recuerdo cuando fui a ver a Blur y lo teloneaba Beck. Por razones lamentables (no tenía la entrada desde antes) llegué como a las 8 de la tarde y empezó a sonar este tema ¡y la fila de mierda no avanzaba nunca! En fin, una tremenda canción que espero escuchar alguna vez en la vida en vivo y bien, ojala cuando Beck venga solo.

Think I'm In Love

Hace poco me di cuenta que siempre que escucho esta canción, me dan ganas de escuchar el disco completo (The Information). Para mí ese álbum es un rompecabezas tan variado musical y estéticamente, que es difícil no aburrirse. Generalmente es el álbum que más escucho de Beck (junto a Modern Guilt) actualmente, precisamente por joyas como esta.

Modern Guilt

Siguiendo con lo dicho anteriormente en Think I'm In Love, esta canción cumple una función similar. Siempre que la escucho, terminó poniendo el álbum completo. Aparte de ser una de mis canciones favoritas, creo que es una pieza clave de ese aspecto atemporal que alcanzó Beck con su música. Canciones como esta podrían haber salido perfectamente en los noventa, aunque no ser tratada de la misma manera. Modern Guilt es Beck en estado maduro.

Sunday Sun

Uno de los discos definitivos que lanzó Beck en su carrera. En su momento fue todo un mazazo para los que estaban acostumbrado a su sonido más popular de álbumes como Odelay o Midnite Vultures, pero rápidamente Sea Change se ganó el corazón de miles de personas que vieron como una persona lloraba sus penas de amor, de manera tan desgarradora y sobrecogedora. Pura calidad, en especial este Sunday Sun que en lo particular, es una de mis favoritas.

Jack-Ass

Otra de su aclamado Odelay. Entre toda esa amalgama de géneros musicales y visiones artísticas tan populares como rebuscadas que nos presenta el disco, Jack-Ass es una de las más favorecidas en muchos sentidos. Dificilmente podríamos encontrarnos con un tema así en un trabajo de música alternativa, cosa que Odelay nos ofrece con las manos abiertas. Sin duda alguna, Jack-Ass es una de las más destacadas de ese tremendo disco.

Pay No Mind (Snoozer)

Probablemente Mellow Gold sea un disco un tanto olvidado, en medio de trabajos tan insignes como Sea Change y Odelay, e incluso Morning Phase, pero es aquí en donde encontramos la declaración de principios de lo que es y hace Beck musicalmente. Una de las joyas que guarda es precisamente Pay No Mind, un tema con aires a juventud alternativa, pero que trata mucho más que eso, o sea ¡hay armónicas!

Wave

Del último y aclamado trabajo de Beck, Morning Phase, me quedo con una canción (entre muchas otras notables) que desde la primera vez que la escuché, me enamoró. Wave te transporta por un océano de existencialismo sonoro que funciona muy bien como quiebre atmosférico, dentro de un disco que nos muestra al mismo hombre de Sea Change, 12 años después: o así me gusta creerlo.

Que' Onda Guero

Siempre me ha llamado la atención esta canción. Proveniente de ese intento de Odelay 2.0 llamado Guero, que logró trascender de la sombra de éste por ofrecernos una propuesta igual de arriesgada pero que apunta en otra dirección. Que' Onda Guero juega tan llamativamente con el ritmo y la letra (con palabras en español pronunciadas por un gringo) que es imposible no resistirse a su encanto.

Debra

La primera vez que escuché Debra, quedé literalmente loco. Era más chico pero aun así, cuando me toca ponerla o suena por ahí, le pongo atención y me relajo. Mi favorita de Midnite Vultures ¿Por qué? Porque es una de las mejores putas canciones que ha hecho Beck en su carrera. Caso cerrado.

The Golden Age

Si van dos de Odelay, tienen que ir dos de Sea Change. La contracara perfecta. Mi lamento favorito de ese álbum que pasó a la historia como el disco rompecorazones del nuevo milenio.

Sharon Van Etten...À la carte

Las lagrimas terminan por secarse luego de que la guitarra, contemplativa se posa sobre la fragilidad de las cosas. Las canciones nacen y se quedan por siempre, con el único pretexto de hacernos caer una y otra vez, en el mismo recuerdo que dejamos atrás. Todo cambia, todo pasa, y si es en medio de cálidas armonías, nada puede ser tan terrible, así que si hay que darle las gracias a esos músicos que nos ayudan a pasar las tormentas sentimentales que nos pone la vida, mínimo que sea e el momento más adecuado. A tan solo días de que la cantante Sharon Van Etteen aterrice en nuestro país, y con la noticia de que su show será en un lugar mucho más íntimo y reducido, las interrogantes parecen quedar atrás y solo nos resta aguardar el momento en que sus canciones nos toquen el alma, tal y como lo hacen a través de sus discos de estudio. Una oportunidad única con una artista que más allá del hype de la nueva era indie, se cobija sobre lo que realmente le importa: la expresión. Sharon Van Etten À la carte...8 canciones que cualquier fans debiera saberse. Unas más conocidas que otras, pero todas igual de importantes. Y ojo, esto es solo una vista del gran material que podemos encontrar en sus cuatro discos. Ponga oído, ojo, mente y corazón. Ponga el cuerpo entero y si no basta, ponga el alma también.

Every Time the Sun Comes Up

Una de las canciones más esperadas en sus shows, es también una de las joyas que guarda su excelente Are We There? lanzado el año pasado. Cualquier persona que se aprecie de tener sentimientos, podrá notar lo hermosa que es. De esas canciones que perfectamente te pueden arreglar una mala película de amor. Y si es buena, mejor aún. 

Magic Chords

Tramp fue el disco que realmente puso a Van Etten en el mapa de lo más atractivo de la música, pues las canciones lograron un desarrollo mucho más profundo y atractivo a la hora de ser escuchadas y tocadas. La base de lo que hace actualmente se encuentra aquí. Magic Chords traduce perfectamente el alcance eterno que podrían llegar a tener sus canciones en la posterioridad.

Taking Chances

Taking Chances es una de las canciones más exitosas que tiene la cantante de New Jersey, la cual le valió una alta rotación por las radios de carácter más independiente. Al igual que la mayoría de las canciones de Are We There? Taking Chances explora y explota las heridas más profundas que pasan por su vida. Y es que es pareciera como si la interpretara con la primicia de que fuese la última vez. 

Give Out

El ping pong entre Are We There? y Tramp continua con Give Out, la cual es una de mis canciones favoritas. Su voz fuerte pero delicada, te arrastra por un océano que se ve completado tan solo con una guitarra y ciertos sonidos, que van y vienen como el viento. Esto no es poesía envasada, es tan solo Sharon Van Etten en estado de gracia.

Much More Than That

De su primer álbum Because I Was In Love, aterriza esta balada folk que toma elementos importantes de los trabajos más personales de Joni Mitchell, y los hace asemejarse con paisajes que perfectamente pudiese haber aprovechado Jeff Buckley. Siento un cariño especial por este disco, que sin ser revelador, resulta sobrecogedor y real; Much More Than That es una clara afirmación de lo que digo.

Serpents

Otro de los hits más reconocidos de Van Etten es Serpents, la canción que lideró su tercer álbum Tramp y que conquisto, tanto por su video como por la canción en sí. La importancia radica especialmente en el carácter liberador y reflexivo, que no gasta tiempo en lamentos. Es Sharon expresando rabia y poder. De lo más notable que he visto en su carrera.

One Day

Epic fue el disco que le valió mayor reconocimiento y aceptación por parte de los círculos independientes más especializados. Sus pasos parecen considerar el tomar un camino mucho más abierto, como si el llamado a un modelo más de banda le hiciera pequeños guiños desde el inconsciente de su creación. El disco es algo así como una transición para lo que vendría en Tramp, aunque One Day para mi, es única en su especie. 

Your Love is Killing Me

Esta canción es la excusa perfecta para adentrarse en el mundo musical que nos ofrece Sharon Van Etten. Es poderosa y eterna, de esas canciones que se quedan pegadas en la cabeza de quienes la escuchan y que no son fáciles de olvidar. Lo mejor es esa explosión que genera un cambio tan bien logrado como al minuto y medio de Your Love is Killing me. Punto a favor de la buena producción de Are We There?

Bonus Track: Afraid of Nothing

A pesar de que conocí a Shaon Van Etten con Tramp, nunca le puse mucha atención hasta que se me cruzó esta canción. No pude superarlo, caí rendido de inmediato.