Discos 90's: Nick Cave & The Bad Seeds - Let Love In

El largo camino recorrido por el Australiano Nick Cave, puede resumirse en una constante búsqueda de influencias con afiliaciones Góticas y un peculiar sentido del romanticismo. Desde su irrupción con The Birthday Party que no ha hecho otra cosa más que desangrar letargos amorosos, a la par con intrigantes reflexiones filosóficas y teológicas, al pulso de una música cambiante, pero siempre dispuesta a producir ruido y ternura por igual. Ya junto a The Bad Seeds venía de estrenar un tremendo resumen musical de sus años en la ruta con el álbum Henry's Dream (1992), pero dos años más tarde definiría uno de sus mayores logros: Let Love In. 

La inclusión de Warren Ellis como una nueva mala semilla al violín, y la panorámica de un cambio de hogar desde Brasil a Londres para Cave, fueron los ingredientes base para que el grupo compusiera, el que fue para esos años, su disco definitivo. Una revuelta gama de ideas finamente seleccionadas, bajo un instinto demoledor entre melodramas y un Post-Punk instrumentado como si fuera una orquesta de Rock, hicieron de este Let Love In una apuesta radical para el mundo, y un paso más que elaborado al firmamento que hoy en día significan. Sucia y elegante, la voz de Nick se torna determinante, al igual que el equilibrado protagonismo de Blixa Bargeld y Mick Harvey, mientras que el aporte tímido de Ellis, sería el principal trampolín y conector entre este trabajo y los tiempos que más adelante vendrían. La importancia del álbum quedaría marcada a fuego por canciones como Loverman, Red Right Hand o la doble cara propuesta por las dos versiones de Do You Love Me?, entre otras.

Para 1994 Nick Cave & The Bad Seeds estaba compuesta por Nick Cave, Blixa Bargeld, Mick Harvey, Martyn P. Casey, Conway Savage y Thomas Wydler. Warren Ellis aportó violines pero no fue miembro oficial de la banda. Producido por Tony Cohen.

Nick Cave... À la carte

Entre los herederos más apreciados de la vieja tradición de contar historias a través de la música, Nick Cave sobresale por su imponente capacidad de originar universos enteros con tan solo unos cuantos versos. Repleto de personajes apresados por la dramática manera de narrar histerias, desamores, tragedias bíblicas, reflexiones y revelaciones. sus canciones suelen indagar y canalizar en los aspectos más lúgubres del alma humana, a través de un Post-Punk que ha ido evolucionando en algo mucho más etéreo y complejo. Y es que el miembro de The Sons of Lee Marvin ha sabido indagar narrativa y musicalmente, de manera única, en un ideal que recoge aprendizajes, no solo de las corrientes más contemporáneas, sino que también de aquellas que fundieron su legado en las lejanías de aquellos tiempos turbulentos y confusos. Una tradición oral encarnada en un Australiano, que junto a sus Bad Seeds, se ha hecho con un lugar importante en la cultura moderna. Nick Cave À la carte. 10 grandes canciones de su carrera.

The Mercy  Seat

Para el año 1988, Nick Cave ya contaba con un culto cada vez mayor de devotos aficionados a su particular manera de ver las cosas. La crudeza mezclada con ciertos aires de distorsión y elegancia, habían posicionado a la banda como un número atractivo, pero de poca masividad, lo que comenzó a cambiar cuando lanzaron Tender Prey. Si bien el disco mostraba a una banda al borde de la locura, las cosas no parecieron terminar del todo mal. Nick Cave comentó en reiteradas ocasiones que el disco está mal producido e interpretado, lo que no impidió que se transformara en uno de sus grandes clásicos. The Mercy Seat es la prueba perfecta, siendo desde su estreno, la única canción que se ha interpretado en todos los conciertos.

Do You Love Me

Ya para mediados de los noventa, Nick Cave & The Bad Seeds gozaban de una popularidad estable que le había acercado a todo un movimiento de grupos alternativos. Si bien musicalmente, todo comenzó a expandirse, reclutando nuevos géneros a su propuesta, Let Love In trajo consigo aquel característico sonido que definiría la carrera de la banda. Do You Love Me, la cual abría el álbum, era la muestra perfecta entre el equilibrio de fuerzas que Nick Cave adquiriría a la hora de cantar sus canciones. Al borde del delirio, entre posibles explosiones de guitarras que no llegaban nunca y vertiginosos juegos de piano y violín, Let Love In se transformó en uno de los discos perfectos de su discografía.

Nature Boy

La buena racha que Nick Cave & The Bad Seeds trajo desde No More Shall We Apart y que pasó por Nocturama, tuvo su caída de la manera más fresca y pasional posible. Un álbum doble titulado Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus, el cual salió en el año 2004, trajo consigo muchos menos lamentos y reflexiones filosóficas/teológicas para dar paso a una de las obras más fáciles de escuchar, pero no menos interesantes. Repleto de baladas y movidas canciones, el disco trae uno de los hits radiales más certeros de su carrera. Nature Boy es de esos temas que pueden funcionar perfectamente fuera del nicho que habitualmente convoca el Australiano.

No Pussy Blues

Un año antes de esa reinvención musical de los Bad Seed llamada Dig, Lazarus, Gig!!! de 2008 Nick Cave y Warren Ellis llevaron a cabo un proyecto inspirado principalmente en sus años más salvajes como músicos. Grinderman de la mano de su debut epónimo, trajo consigo la furia y distorsión del periodo más oscuro y revoltoso de Cave junto a The Birthday Party. Un post-Punk con sangre en las cuerdas y una actitud Punk de Garage, fueron los elementos indicados para que canciones como No Pussy Blues dieran un nuevo impulso en su vida. Los nuevos años veinte. Los gritos no paran.

The Weeping Song

Criticado en su tiempo, The Good Son, sexto álbum de The Bad Seeds lanzado el año 1990, fue toda una apuesta radical por parte de Cave y sus secuaces. Aquí las oscuras piezas de Rock fueron cambiadas y transgredidas hasta las entrañas por algo totalmente melódico. Una obra repleta de canciones, que si bien mantenían la esencia principal del Australiano, mostraban ritmos y arreglos demasiado tranquilos y orquestales. Si Tender Prey fue la cumbre de la adicción de Nick, The Good Son concibió la rehabilitación perfecta. The Weeping Song demostró con el tiempo las posibilidades que podían alcanzar musicalmente.

Junkyard

La vida de The Birthday Party fue tan tumultuosa y complicada, como su extraña forma de consevir discos. Desde una vereda más cercana al Rock Gótico, Nick Cave junto a Mick Harvey y Rowland S. Howard, entregaron dosis tras dosis de una lúgubre monotonía impulsada por la actitud y los gritos más animales que pudimos escuchar por parte de Cave en toda su vida. Su tercer álbum Junkyard de 1983 fue por así decirlo, el trabajo definitivo para cerrar un ciclo que si bien fue corto, tuvo un impacto significativo en los circuitos independientes más radicales. Junkyard es la encarnación misma de los horrores en la tierra.

More News From Nowhere

Luego de ese ajetreado regreso a las raíces llamado Grinderman, Nick Cave & the Bad Seeds regresó al estudio con ideas frescas y la sola idea de romper cráneos al ritmo del Rock y el Blues. Algo simple que se vio reforzado por la experimentada camada de músicos maduros que tenía la banda para así dar vida en 2008 a Dig, Lazarus, Dig!!! Si bien el álbum es mucho menos crudo que lo hecho en Grinderman, Nick Cave trajo consigo la iluminación necesaria para componer épicas historias de bar. More News From Nowhere finaliza el disco, siendo la gran bendición final de un total de 11 canciones muy bien logradas.

Into My Arms

El momento más íntimo de la carrera de Nick Cave llega con The Boatman's Call. disco que fue estrenado el año 1997 y que alcanzó gran popularidad, tanto para los fans como para la crítica, incluso para aquellos más alejados del catálogo del Australiano. Into My Arms es una de las tantas tonadas que reflejan perdida, deseo, amor y dolor expresadas por un Cave completamente sincero y cercano. Si bien la oscuridad y el minimalismo son el elemento preciso para tocar las almas rotas, las letras marcan un precedente, siendo alusiones claras a sus relaciones pasadas como la de la cantante Inglesa  PJ Harvey y la Brasileña Viviane Carneiro.

Fifteen Feet of Pure White Snow

Luego de The Boatman's Call y una fuerte lucha contra el alcoholismo y la heroína, Nick Cave junto a The Bad Seeds trabajarían en uno de los álbumes más aclamados de su carrera. No More Sall We Apart traía existencialismo por montones, referencias culturales atemporales y narrativas que trataban aspectos filosóficos y espirituales de manera magistral. Aquí todos los mejores elementos musicales de Cave salen a la luz, repletando con tan solo 12 canciones, el espacio necesario para pasar a la posterioridad. Alejado de las tendencias, Fifteen Feet of Pure White Snow se matricula como uno de sus clásicos eternos. No sería el único de este disco.

Higgs Boson Blues

Si bien Push The Sky Away contaba con todo tipo de historias sacadas de internet y la modernidad urbana en linea, los aspectos musicales y narrativos parecieron alcanzar nuevos horizontes y alturas, remotamente parecidos a los expuestos 12 atrás en No More Shall We Apart. Fue el primer disco sin Mick Harvey y el regreso de Barry Adamson, lo que de alguna forma le dio más espacio a la dupla Cave-Ellis para explorar todo tipo de posibilidades y caminos sin fin. Higgs Bosson Blues es la síntesis perfecta de un álbum que puso nuevamente a Nick Cave & The Bad Seeds entre las bandas más innovadoras de la actualidad.

Bonus: Henry Lee (feat. PJ Harvey)

En 1996 Nick Cave se dio el lujo de concebir un disco de baladas que hablaran sobre reconocidos casos de asesinatos en la historia. Si bien la colaboración junto a Kylie Minogue alcanzó nuevas tierras en los charts para el Australiano, Henry Lee con PJ Harvey se posicionó como la favorita de sus fanáticos. Si bien la canción tiene méritos propios, la sola idea de que ambos artistas tuviesen una breve pero intensa relación, puso en boca de todos la canción. Un álbum que partió casi como un juego y que terminó como una de las cumbres en la carrera de ambos.

Canción del día n°109 Nick Cave & The Bad Seeds - Fifteen Feet of Pure White Snow

Poco a poco comienzan a manifestarse las ataduras solares de verano, saltándose de manera abrupta lo que solíamos conocer como primavera y las ganas de poder disfrutar algún día más de vientos helados, parece un plan a largo plazo. Es por eso que en un último intento por recrear cierta parafernalia invernal, nos encontramos con canciones que resisten el paso del tiempo como bien lo hace aquella estación fría que nos obliga a reiteradas veces a cambiar la cerveza por un buen café. Corría el año 2001 y Nick Cave junto a los Bad Seeds se despachaban uno de los álbumes mejor logrados en su carrera. No More Shall We Apart aparecio en un momento de calma en el que Nick Cave había dejado de consumir drogas, siendo The Boatman's Call el presagio perfecto de un parón necesario. Había que lavar las heridas aunque sea de la manera más dolorosa posible, es por eso que en este álbum del 2001 las cosas parecieron adquirir mayores reflexiones y una sabiduría casi profética que se expresó de manera milagrosa en temas como Fifteen Feet of Pure White Snow. La canción del día llega de la mano de Nick Cave & The Bad Seeds con la recién mencionada Fifteen Feet of Pure White Snow.

Título: Fifteen Feet of Pure White Snow

Intérprete: Nick Cave & The Bad Seeds

Álbum: No More Shall We Apart

Año: 2001

7 otras grandes bandas de Post-Punk y No Wave

Muchos son los artistas influenciados por el Punk de los años 70, que saltaron a la fama por su búsqueda arriesgada y poco convencional de llevar la música un escalón más allá. Entre el selecto grupo se encuentra Joy Division, Siouxsie and the Banshees, Public Image Ltd o The Cure, bandas que por algún motivo alcanzaron lo más alto de las listas, dejando un legado único e inigualable que hasta el día de hoy sigue generando mucho ruido y pasión. Es hermoso cuando escuchamos por primera vez el Unknown Pleasure o In the Flat Field de Bauhaus, pues son trabajos que nunca se nos olvidarán, sobre todo si llegaron a nuestras vidas justo cuando atravesábamos la complicada adolescencia. Pero créanme que no son los únicos, pues de todas estas bandas que solo resultan ser la punta de un iceberg repleto de escenas notables, se esconde una camada importante de nombres que por algún motivo pasaron a ocupar un lugar secundario en la historia. Muchos tuvieron una segunda oportunidad, otros simplemente sucumbieron al duro camino que significa crear música. Estos son 7 grupos/artistas Post-Punk y No Wave ni tan conocidos y que quizás les gusten.

The Slits

Quizás es el grupo más conocido de los aquí presentes, pero por algún motivo solemos dejar tan fácilmente en el olvido cuando hablamos del Punk y su evolución. Emergieron en pleno apogeo del Punk Británico en el año 1976, siendo rápidamente una de las bandas más admiradas por sus pares de otras agrupaciones. Luego de unos cuantos conciertos como soportes del White Riot Tour de The Clash junto a Buzzcocks, lanzaron su debut en el año 1979 titulado The Cut, el cual significó su disco más importante, transformándose rápidamente en un ícono de los días finales de la revolución liderada por los Sex Pístols, tanto por su portada como por el sonido vanguardista y a la vez sencillo que alcanzaron canciones como So Tough o Typical Girls. Ari Up pasó rápidamente a ser todo un referente musical de lo experimental, lo que plasmó en los dos siguientes trabajos de The Slits, los cuales significarían el fin del periodo clásico de la banda, volviéndose a juntar a mediados de los 2000 para un nuevo álbum y unos cuantos conciertos hasta la muerte de su principal motor Ari Up, quién falleció el 2010 debido a un cáncer.

Teenage Jesus & the Jerks

Líderes absolutos e indiscutidos de la movimiento No Wave que pretendía desligarse del New Wave, centrando su rechazo en todas las bandas Punk que pasaron a formar parte posteriormente de esta movida musical. Fundada en el año 1976 por Lydia Lynch y James Chance, Teenage Jesus & The Jerks pasaron a ser rápidamente una banda que difería totalmente del sonido que por esos años imperaba, generando un culto casi radical por llevar la experimentación y fusión a la música subterránea que se daría con gran fuerza en los 80 con bandas como Sonic Youth o Swans. El grupo nunca lanzó un álbum de larga duración aunque si algunos eps y canciones sueltas, que pasarían a formar parte de su corto pero influyente catálogo, destacando principalmente las cuatro canciones con las que aportarían al recopilatorio No New York que Brian Eno lanzaría en el 1978. Teenage Jesus & The Jerks dejaría de existir un año más tarde, aunque Lydia Lynch tendría una tremenda carrera por delante, tanto musical como cinematográfica.

Suicide

Suicide debe ser de las bandas más originales y vanguardistas que han existido pero que lamentablemente se han dejado en el olvido. Se puede decir que su música pudo haber influido de manera directa en los movimientos más underground de mediados de los setenta, debido a su transgresora mezcla entre el Punk y la música sintetizada, siendo su propuesta totalmente adelantada a su tiempo. Fundada a principios de la década de los 70 por Alan Vega y Martin Rev, tuvieron su momento de mayor popularidad dentro de los círculos más herméticos de New York con su debut homónimo de 1977. Este dúo Synth-Punk o como quieran llamarles, tuvieron alguno que otro hit si así se le puede llamar como Dream Baby Dream o Ghost Rider (sampleada por M.I.A. para Born Free), a pesar de su poco constante actividad, lo cual les ha traído cierto renombre como una de las bandas de culto más importantes y subvaloradas que ha existido.

Theoretical Girls

Si Teenage Jesus & The Jerks fue la banda más rupturista dentro de lo que se puede calificar como movimiento Punk, Theoretical Girls no se queda atrás, siendo quizás el número más cercano a la herencia de Lydia Lynch, llevando a un formato banda más común todo lo que significa el avant garde. Fundada en el año 1977 por Glenn Branca y el artista conceptual Jeff Lohn, Theoretical Girls nunca lanzó ningún disco, siendo su carrera un ir y venir de tan solo 20 presentaciones aproximadamente y un single llamado You Got Me/U.S. Millie. Un número menor de cosas si hacemos mención a su importancia como banda. Se separaron en el año 1981 pero sus canciones, para fortuna de muchos, se recopilaron en el 2002 en un trabajo titulado Theoretical Record.

Delta 5

Otra de esas bandas esporádicas que dejaron su huella marcada a fuego en la historia de la música. Delta 5 fue un proyecto formado en el año 1979 y liderado por Julz Sale, la cual concibió una camada importante de canciones que reflejan de manera exacta el intermedio entre el Punk más clásico y el New Wave que por esos años, acaparaba lo más alto de las listas. Su single Mind Your Own Business alcanzó cierta popularidad por aquellos años, siendo hoy su canción más famosa y a la vez versionada. La banda lanzó solo un disco en el año 1981 y que llevó como nombre See the Whirl, el cual mostraba el tremendo potencial que Delta 5 tenía, debido a la frescura con la que trataban su música, sin descuidar en ningún momento las letras que hablaban de problemas como el racismo y causas tan fundamentales como el feminismo. Ese mismo año dirían adiós.

The Birthday Party

Antes de que Nick Cave se juntara junto a sus malas semillas, tenía otro proyecto bastante interesante y que de alguna forma quedó encasillado para siempre como la banda pre Nick Cave & The Bad Seeds, como si fuese un simple ensayo musical pero The Birthday Party fue mucho más que eso. Formada en el año 1978, el grupo se lanzó al mundo con una mezcla retorcida y oscura de historias desgarradoras y brutales, que bajo una estética Gótica, logró canalizar los mejores elementos de las bandas Post-Punk, llevándolas a un plano narrativo mucho más profundo. Los fuertes egos y los problemas de adicción hicieron que The Birthday Party llegase a su fin en el momento más creativo, de su carrera, lo que en definitiva desencadenaría a la formación de Nick Cave & the Bad Seeds junto al tremendo Mick Harvey quién también era parte de la banda.

Swans

Entre los grandes nombres que aparecieron a comienzos de los años 80 y que quedaron para la posterioridad, está el de Swans. Siendo una banda ligada al Post-Rock, lo suyo siempre fue sintetizar la mayor cantidad de influencias posibles y concebir un producto único y etéreo que ha visto como el paso de los años no ha dañado para nada su esencia. En sus comienzos estuvieron fuertemente ligados al movimiento No Wave, siendo Michael Gira uno de los músicos más visionarios de aquellos tiempos, lo cual se vio un tanto contrarrestado con la inclusión de Jarboe quién aportó una variedad de ideas que muchos de sus fanáticos vieron como el periodo más fructífero del grupo. Su disolución en el año 1997 tuvo su revancha en el 2010, siendo la versión actual de Swans tan novedosa como lo fue en el pasado. Filth de 1983 es toda una joya.

Playlist #1: Sobre existencialismo y ruptura

Los oscuros y pantanosos caminos que debemos recorrer para encontrar el sentido a nuestras vidas, son también los éxitos y fracasos que nos moldean. Son las dudas y los miedos, ajustadas a momentos en los que todo parece no querer trascender más allá de nuestra propia existencia, generando el desconcierto habitual que los problemas de carácter existencial pueden traernos. Todos hemos estado perdidos más de alguna vez, parados en medio de proyectos lejanos, decepciones amorosas y momentos dolorosos, en los que el tiempo y el espacio parecen no tener mucha importancia para nosotros mismos, siendo estos meros pasatiempos de una vida que ha perdido ya todo su brillo. Y si bien, la mayoría de las veces no pasan a ser más allá de problemas de corte existencial, los recuerdos quedan incrustados en ese pequeño diario de vida personal que con tanto recelo guardamos en nuestra memoria. Este primer playlist es una muestra fehaciente de que este tipo de cosas trascienden a la vida artística de ciertas personas, que en algún momento a través de la música, lograron exorcizar sus demonios para así seguir adelante. Playlist #1 cantautores, entre existencialismo y locura.

Joni Mitchell - A Case of you (1971 - Blue)

Joni Mitchell concibió su famoso disco Blue en el año 1971, producto de una serie de confrontaciones personales, que la llevaron a un estado de fragilidad tremendamente brutal. La artista Canadiense buscaba su ansiada libertad artística, pero los problemas con su pareja de por aquel entonces, le trajeron un quiebre amoroso que quedó perfectamente retratado en esta canción. A Case of you es la síntesis de todo lo que significa Blue, un álbum tan frágil y honestamente real, que le acarreo una momentánea depresión en lo más alto de su carrera.

Scott Walker - The Seventh Seal (1969 - Scott 4)

Luego del fin de The Walker Brothers, Scott Walker dejó esa faceta Pop más juvenil para adentrarse en composiciones mucho más maduras, que retrataban tanto el arte y la bohemia, como sus travesías más personales pero no fue hasta Scott 4 que le comenzamos a ver mucho más ambicioso y experimental. Su deseo por trascender más allá de su fama, trajo consigo un álbum mucho más personal, el cual de partida traía su verdadero nombre impreso: Noel Scott Engel. The Seventh Seal, inspirada en la película de Ingmar Bergman, es una muestra de la faceta más existencial que Scott comenzaría a mostrar, y que a través de la trama original, profundizaría en aspectos tan fundamentales como la muerte.

Tom Waits - The Piano Has Been Drinking (1976 - Small Change)

En los años 70, Tom Waits era un cantante mucho más cercano al Jazz y el Blues, que disfrutaba de cierto culto entre un tipo de gente más cercana a la bohemia de estos géneros, cosa que en definitiva le trajo más de algún problema. La fama y el alcohol comenzaron a pasarle la cuenta y los excesos, de manera honesta y personal, comenzaron a ser su principal fuente de inspiración, cosa que en su álbum Small Change quedó totalmente demostrada. Un hombre al borde de la quiebra espiritual, que se ve enfrentado con su adicción en The Piano Has Been Drinking.

Mark Lanegan - One Way Street (2001 - Field Songs)

El aura oscuro del que goza actualmente Mark Lanegan, tiene sus raíces en la enorme imagen de cantautor maldito que este ha acarreado con los años, cosa que en su disco de 2001 Field Songs quedó más que demostrado. Las reflexiones sobre el pasado y las cicatrices con las que debe cargar un hombre que se está acercando a los cuarenta, toma influencias directas del Tom Waits más narrativo de los años ochenta, siendo One Way Street la muestra perfecta para comprender la crisis existencial y artística por la que pasaba Mark en aquellos años.

Leonard Cohen - Famous Blue Raincoat (1970 - Songs of Love and Hate)

La tragedia de la poesía como concepto, siempre ha sido el arma de doble filo que Leonard Cohen ha usado en su música, siendo esta el elemento clave para comprender los estados anímicos por los cuales nos transporta en sus trabajos. Pero fue en Songs of Love and Hate, la primera vez que pudimos escuchar y sentir a Cohen de manera más reflexiva y cercana, derramando lágrimas de sangre sobre canciones como Famous Blue Raincoat, que utiliza como carnada la historia de un trió amoroso, para envolvernos en un sentimiento extremo de pobreza emocional.

Nick Cave & the Bad Seeds - As I Sat Sadly By Her Side (2001 - No More Shall We Part)

Luego de un íntimo y profundo álbum como The Boatman's Call, que recogía los lamentos amorosos más fuertes de Nick Cave, apareció No More Shall We Part, un álbum que llevaría a Cave y las malas semillas a trascender por sobre todos los estilos y tendencias. El disco acapara de manera dramática y tormentosa, los limbos personales por los que Nick Cave deambulo antes de su estabilidad personal, siendo As I Sat Sadly By Her Side una muestra coherente y transgresora del existencialismo más maduro del Australiano. Si bien esta es una banda, la figura de Nick Cave en esta canción se alza por 

sobre todo lo demás

Beck - The Golden Age (2002 - Sea Change)

Sea Change es uno de esos discos que llegan a romperte el alma y como no, si Beck Hansen exorcizó de manera sentida y dolorosa los demonios que atormentaban su vida. Luego del quiebre con su novia, Beck necesitaba expresar los diversos sentimientos que le acomplejaban, por lo que interiorizó todo el dolor que había generado esta crisis, para así poder dar vida a un álbum de carácter intimo y sincero. The Golden Age es sin duda de esas canciones que retratan de manera perfecta lo que es el disco, siendo una de las mejores canciones que haya escrito en su carrera.

Neil Young - Tonight's the Night (1975 - Tonight's the Night)

Es cierto que la carrera de Neil Young siempre ha estado marcada por una serie de episodios trágicos, que marcaron su vida y el modo de hacer canciones. Luego de el éxito de Harvest, el Canadiense intentó por todos los medios alejarse de la fama, lo que en cierto modo logró con Times Fade Away y On the Beach, pero no fue hasta que lanzó Tonight's the Night, disco que bebia de los mismos elementos radicales de sus antecesores, que no nos dimos cuenta del limbo depresivo que atravesaba Young. La muerte del guitarrista de los Crazy Horse y del roadie de Neil por las drogas, inspiraron el tema central del álbum y esa oscura manera de componer, que le trajo esa legendaria fama de la que tanto disfruta hoy en día.

PJ Harvey - The Devil (2007 - White Chalk)

No hay un disco más existencialista y rupturista que White Chalk de PJ Harvey. A años luz de sus predecesores, los sonidos característicos, enraizados fuertemente con una estética barroca a través del Piano y el harpa, acompañan esas letras crípticas y brutalmente honestas que la cantante expresa con tanta agonía. Aquí Polly Jean se enfrentaba a su crisis artística y personal más fuerte, deambulando por entre todo tipo de sentimientos cercanos a la miseria, que no hacen otra cosa más que influir en una búsqueda, que acabó por concedernos estas oscuras canciones, y de paso sembrar lo que haría más adelante con su exitosos Let England Shake. The Devil habla por si misma.

Bob Dylan - Idiot Wind (1975 - Blood On the Tracks)

A pesar de que Bob Dylan haya lanzado más de 30 discos en su carrera, existe solo uno que nos acerca más al hombre detrás de todas esas narraciones surrealistas y transgresoras. Bloond On the Tracks fue lanzado en el año 75 y sirvió como un muestreo de la difícil crisis matrimonial por la que atravesaba en aquel entonces, con su esposa Sara. Idiot Wind es una apuesta abierta y directa, que hace gala de una honestidad tan sentida y dolorosa; Y que es inevitable no percibir la expresión misma de un cantante en la ruina personal, que de alguna forma trata de condensar la rabia que la decepción le trajo a la vida. El deseo de volver atrás y reparar los errores termina por quebrarlo emocionalmente. 

Tim Buckley - Song To The Siren (1970 - Starsailor)

Muy pocos conocen a Tim Buckley por su música, pues más bien la figura de su hijo Jeff le ha dejado por así decirlo en las sombras, cosa que de cierto modo lo mantiene hoy como una de los íconos de culto más trascendentales de la música. Tim pareciera ser ese tipico viajero enamorado, que rompe corazones en cada pueblo por el que pasa, dejando rosas y canciones por cada experiencia amorosa en su vida, pero él es sin duda mucho más que eso. Song to the Siren nos muestra el desequilibrio espiritual por el cual Tim Buckley deambulaba a diario, reflexionando sobre el miedo y la duda que éste sentía por la muerte, una amante misteriosa a la cual vale la pena seguir.

Mis 63 discos favoritos de lo que va de la década parte 6

Día viernes 5 de junio. Hoy juega Chile un partido amistoso no sé contra quién, mañana es la final de la Champion League, etc. y al fin está la última parte de mis 63 discos favoritos de lo que va de la década. Álbumes que sin duda me marcaron o me dejaron marcando ocupado. Todo se reduce a 10 lanzamientos gloriosos, que desde mi perspectiva más emocional que racional, son de lo mejor que ha aparecido este último tiempo. Siguiendo con la tónica, aquí encontramos desde artistas más antiguos hasta nuevos actos que se matricularon con verdaderas joyas en la historia. Recomendados totalmente!

10. Tame Impala - Innerspeaker (2010)

El álbum debut de los Australianos de Tame Impala, a mi parecer es el mejor trabajo que ha lanzado la banda. Y a pesar de que solo yo estoy de acuerdo con eso, reafirmo mi postura por el solo hecho de que en este disco, todas las canciones son buenas. El álbum se mueve desde diversas aristas, con el único fin de armar un rompecabezas que tiene en común, el particular sello psicodélico que Tame Impala ha explotado todos estos años. Innespeaker tiene momentos verdaderamente notables, en los que pudimos ver el futuro del rock ante nuestros ojos, cosa que nadie siguió del todo y que hoy en día los tiene como un referente peculiar dentro de variados mundos y escenas. Lo bueno de Tame Impala es que le puede gustar a los seguidores de la música guitarrera más clásica como de la más moderna.

09. Kendrick Lamar - Good Kid M.A.A.D City (2012)

Good Kid M.A.A.D. City es el álbum más importante que nos ha entregado el Rap en los últimos años. Desde su aparición y bajo la expectativa que Kendrick había generado, tanto por su Section 8o, como por la tutela que había recibido de Dr. Dre, el disco se impuso fácilmente como uno de los más esperados del año. Pero la sorpresa fue doblemente mayúscula cuando nos introdujimos en un álbum, que a vista y paciencia del mundo, nos entregaba todas las formulas necesarias para revolucionar el género. Todo lo llevó más allá, desde la conceptualidad misma hasta los pegajozos singles, que se impusieron con fuerza como hace mucho tiempo no veíamos. Calidad absoluta en uno de los trabajos mejor logrados de lo que va de la década.

08. Nick Cave & The Bad Seeds - Push the Sky Away (2013)

Luego de haber transitado por los caminos más guitarreros de Grinderman, Nick Cave volvía a reunir a sus malas semillas para comenzar a trabajar en un nuevo disco. Con la partida de Mick Harvey y la reinclusión de Barry Adamson, Push the Sky Away vio la luz como una nueva revelación en el mundo de Nick Cave. El álbum es en principio, armónico y simple, como un blues silencioso que te va devorando con cada fraseo que nos ofrece el Australiano en sus apocalípticas letras sobre la cotidianidad que entrega el mundo del internet. El clásico estilo de la banda se vuelve demasiado envolvente a ratos, pero despierta sensibilidades como nunca. Una muestra de que con cada disco, Nick Cave & The Bad Seeds van consolidando de manera sorprendente su propuesta.

07. St. Vincent - St. Vincent (2014)

Annie Clark para muchos, fue la artista revelación del año que pasó, pues a pesar de que su carrera ya llevaba varios kilómetros pavimentados, fue con su homónimo con el que consiguió explotar su faceta más artística a las masas. Con ciertos aires a los Talking Heads, pero con un toque único de electricidad robótica, St. Vincent te aplasta el cráneo con una mezcla de sensibilidades y revoluciones, que bajo una muy buena producción, te transportan a universos distópicos, llenos de rock futurista y vanguardia. Annie Clark es uno de los fenómenos con mayor proyección en la actualidad, pues a pesar de haber alcanzado la cima y el equilibrio con este disco, todavía tiene mucho que dar. Esperamos que así sea, la esperanza sigue más fuerte que nunca.

06. Savages - Silence Yourself (2013)

Uno de mis discos favoritos del último tiempo. Desde que lo escuché por primera vez, no pude evitar sentirme atraído por las tremendas canciones que Savages nos muestra en su álbum debut. Con una clara tendencia hacía el post-punk más clásico, la banda Inglesa se da el lujo de llevarnos por un viaje alucinante, lleno de ira y frustración, que almacena todo tipo de dudas y temores para llevarlo al máximo en la interpretación. Lo más interesante de todo es el trabajo cooperativo que se lleva  acabo en él y que se siente apenas escuchamos los atronadores bajos de Ayse Hassan, las marcadas baterías de Fay Milton, el derroche de distorsión y atmósferas que nos hace entrega Gemma Thompson, para que Jennhy Beth descargue todos esos discursos que hacen de Savages, una banda con las ideas bien claras.

05. Grimes - Visions (2012)

La mejor palabra para definir lo que es el Visions de Grimes es adicción. Si lo escuchaste y te gustó, simplemente quedarás atrapado en sus redes. Visions es el tercer álbum de Grimes, que nos trae una corrosiva forma de concebir el Synth Pop más simple, con la gracia de acumular todo tipo de sonidos y efectos, que terminan por saturar de sorpresas lo que significa su propuesta. Y es que Claire Elise Boucher se las arregló de una manera increíble para que este disco sonara tan familiar como revelador, dejando detalles tan imperceptibles, que con cada nueva reproducción, terminan por sorprenderte aun más. Sueños personales inmersos en una manera balanceada de ver las cosas, que terminan por hacer de este Visions un trabajo creativo y original. En una era en que los cultos son tan pasajeros, Grimes sigue acaparando la atención.

04. PJ Harvey - Let England Shake (2011)

El último trabajo que lanzó Polly Jean Harvey, trajo consigo todo un sentimiento de lo que fueron los conflictos bélicos de la Inglaterra del siglo XX. Pero el álbum va más allá y se puede aplicar a cualquier realidad, siendo universalmente abierto para retratar los aspectos más oscuros que nos entregan las memorias en tiempos de guerra. Let England Shake desarrolla de manera notable los diversos sentimientos humanos, generando un listado de canciones que en comunión, cobran una fuerza sobrenatural. En cuanto a sonido, posee la dosis necesaria de un Folk tan antiguo y místico, como las tierras en las que fue desarrollado, llenando de fantasmas sonoros, los distintos espacios de reflexión que el disco nos entrega. Siendo honesto, este debe ser su trabajo mejor logrado. 

03. Kendrick Lamar - To Pimp A Butterfly (2015)

Kendrick Lamar acaba de lanzar uno de los discos más importantes del último tiempo. To Pimp A Butterfly, o una mirada a las reivindicaciones raciales y las influencias clásicas de la música negra, es tan afectivo y conflictivo, que cuesta hacerle el quite. Kendrick va en serio y apuesta al todo o nada, en un álbum que se apropia de tantas facetas distintas de la música, para expresar el sentimiento social que se ha generado en los últimos meses en Estados Unidos. Claros mensajes de amor propio, enfrentados a una realidad en la que la violencia termina por devorar los ideales más puros de justicia. Si alguien tiene que sacar la voz, que sea este álbum, que con tan solo unos meses de haber sido lanzado, ya se posiciona como un trabajo tan relevante como necesario. Disco del año sin lugar a dudas.

02. Trent Reznor & Atticus Ross - The Social Network OST (2010)

Luego de dejar descansar a la hermosa máquina de odio, Trent Reznor se embarco en diversos proyectos sin concretar, que le acercarían a un nuevo comienzo como músico. Esta vez a cargo de la primera de las colaboraciones que lleva con el director de cine David Fincher, como el gestor de las bandas sonoras de sus últimas películas. Junto a Atticus Ross, compondrían la banda sonora de The Social Network, cinta que retrata los oscuros orígenes de Facebook con la cual obtendrían su primer Oscar. Y es que la música es un manjar sintetizado, de todos los sentimientos digitalizados que abundan actualmente por el mundo, actuando tanto de amortiguador como instaurador, de las diversas situaciones que se van dando en la película. Entre sonidos electrónicos con actitudes cercanas a lo gótico que aportan los pianos, el soundtrack hace gala de todo lo que debe ser un OST, siendo una joya que demuestra la importancia que ha adquirido este tipo de música, en la vida de las personas. Un retrato perfecto que funciona con o sin la película.

01. Fiona Apple - The Idler Wheel (2012)

El esperado primer lugar de mis discos favoritos de lo que va de la década, recae en un álbum, que desde un principio nació para ser grande. La muestra perfecta de la importancia que tiene Fiona Apple como compositora e interprete. Aquí las desilusiones amorosas nuevamente toman el protagonismo, siendo esta vez canalizadas de una manera mucho más madura y hasta fría por parte de la Neoyorquina, dejando las doble lecturas más ácidas y fuertes que había mostrado en sus anteriores trabajos, como la linea principal de sus letras, relegando los sufrimientos por las reflexiones de una artista, que con cada disco se logra consolidar más. Lo curioso es que mientras más admirada y respetada es, más vulnerable y personal se vuelve, en cuanto a la dirección musical que toman sus álbumes, siendo The Idler Wheel una sesión rítmica bastante minimalista, en comparación del elaborado Extraordinary Machine, tomando las naturalidad del Jazz como único hilo conductor. 10 canciones, que entre justos y precisos acompañamientos por parte de Charley Drayton, cobran fuerza a la hora de comprender la necesidad por la cual está concebido el disco, siendo más que nada una terapia de sanación en medio de un elemento artístico tan vital como lo es la música. Fiona Apple nuevamente nos sorprendió, y muchos esperamos que no tarde otros 7 años en lanzar el sucesor del excelente The Idler Whel

Canción del día n°80 Nick Cave & The Bad Seeds - (Are you) The One That I've Been Waiting For?

Las imágenes sentimentales suelen volverse recurrentes cuando tenemos detrás, las melancólicas y desgarradoras canciones que podemos encontrar en The Boatman's Call de Nick Cave y los Bad Seeds, siendo estas parte fundamental del estado anímico al que podemos descender. Desde siempre que las canciones de Nick Cave pueden transmitirnos una diversidad increíble de cosas, que por algún motivo termina por sacudirnos de manera superlativa y profunda, como si los personajes retratadas en las desesperantes situaciones que nos narra, fuesen parte fundamental de nuestras propias vivencias, teniendo que cargar musicalmente con todo lo que significa tragarse temas como As I Sat Sadly By Her Side, la más nueva Jubilee Street o la que nos convoca hoy, (Are you) The One That I've Been Waiting For? cada vez que las escuchamos. Día nublado, un tanto helado; perfecto para que la canción del día número 80 la ponga el australiano y sus malas semillas con(Are you) The One That I've Been Waiting For? Un poco de dolor es bueno de vez en cuando.

Título: (Are you) The One That I've Been Waiting For?
Intérprete: Nick Cave & The Bad Seeds
Álbum: The Boatman's Call
Año: 1997

17 nombres internacionales que podrían haber estado en Lollapalooza

Hoy se dieron a conocer los horarios definitivos de lo que será Lollapalooza 2015, y mi primera impresión al verlo fue “Puta se topa Smashing Pumpkins y St. Vincent como 15 minutos” pero más allá de eso, las impresiones fueron un poco desalentadoras, pues ahora sí que se evidencia la falta de artistas y el extremo relleno que en esta versión acaparó casi la mitad de las bandas. Podemos discutir sobre los cabezas de cartel, pero lo más importante, la línea media, está más bien baja. Ya tengo mis favoritos, entre estos St. Vincent, The Specials, Jack White, Robert Plant, Los Smashing Pumpkins y otros números que quiero ver como Kasabian, Interpol o NOFX y Cypress Hill pero debo decirlo, este año le faltó. Es por eso que he creado una lista de artistas que me gustaría ver en Lollapalooza y que más allá de mis gustos, dejarían una escoba más o menos grande. Nada de números para cabeza de cartel (de más que alguno sí), más que nada bandas con pequeña base de fans que de seguro, le gustaría al público más casual, además de los habituales nombres de moda que la están rompiendo o que la romperán. En fin, aquí 17 nombres internacionales que podrían haber estado en Lollapalooza. Tomen nota para el próximo año.

Weezer

Uno de los grupos más esperados del último tiempo, tuvo un muy buen regreso discográfico el año 2014 con su disco Everything Will Be Alright in the End. Todo estaba listo, era el momento perfecto para que los liderados por Rivers Cuomo fueran incluidos al cartel de Lollapalooza 2015 y debutaran en Chile pero lamentablemente no ocurrió. Todos quedamos con la ilusión de verlos por estos lados, maldito lineup filtrado que nunca fue. 

My Bloody Valentine

La banda por excelencia del Shoegaze, que hoy en día disfruta de una fanaticada en aumento realmente sorprendente, lanzó su regreso en el año 2013. Todavía los esperamos por estos lados, aunque seamos unas 2.000 personas, créanme que llenaríamos tres veces el mismo lugar por ver a Kevin Shields hacer delirar esas guitarras y a Belinda Butcher encantándonos con su melódica voz, casi de bajo perfil.

Yeah Yeah Yeah’s

Muchos somos los que quedamos con cuello para la primera edición de Lollapalooza en Chile. Era la oportunidad soñada para ver a la banda de Karen O debutar en Chile pero ¿Qué pasó? Ya ni recuerdo, alguien estaba enfermo parece. Año 2014; Un lineup filtrado nos hacía soñar nuevamente, como si la banda hiciera un alto en su descanso para remediar la cancelación de la última vez pero no pasó nada y otra vez quedamos con cuello.

Nick Cave and the Bad Seeds

Desastrosa y vergonzosa fue la vez que tocó Nick Cave y sus malas semillas en Chile por allá por los noventa, pero el tiempo ha sabido enseñarle al público Chileno a erradicar esas malas costumbres y apreciar a un artista tan único como lo es Nick Cave. Muchos estamos esperando la venida de este australiano aunque créanme, lo más probable es que nunca venga. Tool si va a venir así que paren la wea, Nick Cave no creo.

Marina and the Diamonds

El Indie Pop de la nueva década, lleva como referencia absoluta a una de las artistas más queridas del último tiempo por los sectores más marginales que aprecian su incursión en la música Pop más elaborada, y es que Marina and the Diamonds es uno de los grandes atractivos que andarán por este año en Latinoamérica y no sé por qué mierda no está en Lollapalooza Chile si estará en el de Brasil.

Kraftwerk

Otro de los momentos en los que se me rompió el corazón, al ver la diferencia entre el lineup filtrado y el oficial fue la ausencia de los Alemanes de Kraftwerk. ¿Qué sería de nuestras vidas si la banda no hubiese aparecido nunca? Sus shows son una experiencia única, de esos que dan de que hablar. Es una de esas bandas que ves en vivo y a pesar de que no te sepas ninguna canción, quedarás maravillado igual. Para la próxima será.

Sleater-Kinney

Ya, este es otro de los nombres que me hubiese gustado ver en Lolla. Sleater-Kinney son de esas bandas que merecen más atención y que han sido muy subvaloradas en el panorama del rock alternativo, y es que ellas poseen una manera tan audaz de hacer canciones, que para nosotros hubiese sido una manera de redescubrir los horizontes más interesantes de lo que fue el Rock en los años 90.

Pharrell Williams

No es que sea fanatic de ´pel, igual me dejó chato con Happy pero a mi gusto, Pharrell Williams es mil veces mejor que Kings of Leon como show. Tiene para tocar de todo, desde sus incursiones con Daft Punk, sus canciones solistas, sus colaboraciones con Snopp Dogg hasta material de su vieja banda N.E.R.D. que más de alguna buena impresión hubiese dejado entre los asistentes.

FKA Twigs

Uno de los nombres más interesantes que ha aparecido en el último tiempo es el de FKA Twigs. Sus dos Ep’s y su primer larga duración, han hecho de la artista, uno de los nuevos referentes de la nueva música que está por venir. Ese Pop ambicioso y de calidad, con tintes futuristas y bizarros, hubiese funcionado de manera perfecta en Lollapalozoa, no al nivel de Lorde pues sus conceptos, más allá de que sean parte de lo mismo, no albergan el mismo grado de similitud generacional.

Manic Street Preachers

Ya, los Manics no cuentan con una gran fanaticada por estos lados pero los pocos que son, al igual que con MBV, llenarían hasta tres veces seguidas un lugar para verlos. Para este Lollapalooza me ilusioné con que podrían venir, pues a Futurology le fue bastante bien, aparte que se cumplían 20 años de The Holy Bible así que quién sabe, en una de esas. Todo se fue al carajo, ojala vengan algún día a Chile, sea en el Lollapalooza o en algún otro festival, porque es difícil que vengan solos.

Patti Smith & Band performing Horses

En varios carteles se vio el nombre de la gran Patti Smith, la cual tocaría junto a una banda su primer disco completo, el maravilloso Horses. No sé si solo tocarían el disco completo en orden y después alguna más, pero da lo mismo, sería un sueño verla por estos lados, podría haber estado en Lollapalooza, pero obviamente la obviaron, país culiao que no entiende que Patti Smith es una de las más grandes artistas de todos los tiempos!

Belle and Sebastian

Otro de los grupos que está de regreso con un nuevo disco bajo el brazo es Belle and Sebastian. El grupo Escocés es otro de los nombres que más se repite en los festivales alrededor del mundo, y créanme que hubiese sido un número más que venerado en esta nueva edición de Lollapalooza. Lo bueno es que podemos esperar que vengan solos, después de su show en el 2010, los fans quedaron con ganas de más.

Happy Mondays

Pucha que me dio rabia cuando vi el cartel del Vive Latino u otro festival que iba a ser en México por las mismas fechas que Lollapalooza, y aparecía el nombre de Happy Mondays. ¿Qué les costaba traerlos? Ya, vinieron hace poco el 2012 pero no importa, tráiganlos siempre, Happy Mondays prende más que todas las bandas de cumbia universitarias que hay por acá. Es música para todos!

Death From Above 1979

Quiero decirles algo, estoy chato de que todas las bandas Indie post 2000 que traen suenen igual. Por eso la oportunidad de haber traído a Death From Above 1979 para este Lollapalooza era imperdible, no sé cómo no se les ocurrió, si están de moda otra vez (en los festivales). Death From Above 1979 es la cagá pura en vivo, más vivitoss para la otra.

Sharon Van Etten

Una artista poco conocida por estos lados, es también de los nombres que más saca aplausos en el extranjero. Fuertes y apasionadas son sus entregas que retratan desilusiones amorosas y esquivas reminiscencias de lo que han significado en su vida. Estoy seguro que a una buena cantidad de personas les hubiese gustado conocerla en vivo, un número que calza perfecto en uno de los escenarios más pequeños e íntimos de Lollapalooza.

She & Him

Ultra conocida es Zooey Deschannel, gracias a su carrera como actriz en New Girl y 500 días con Summer pero ella tiene otra faceta, junto a M. Ward y ese proyecto musical se llama She & Him. De más que todos ya lo conocen, un duo con canciones entretenidas y simpáticas que es muy del ambiente artístico de Lollapalooza. Ojala que para el próximo año vengan.

Arca

De seguro Arca será uno de los nombres que más dará que hablar este 2015. Sus conceptos acerca de la música y las delimitaciones artísticas entre lo aceptable y lo carnal juegan un papel importante en una música, que hubiese dejado con la boca abierta a casi todos los que se hubiesen encontrado con él en Lollapalooza sin conocerle. Cabe destacar que el Venezolano es uno de los co-productores y colaboradores del último disco de Bjôrk, para que lo empiecen a conocer.